Sergio Dawi:

Sergio Dawi: "Jaqueados me parece que es la síntesis de un estado generalizado que veo del mundo en este momento"

El tercer trabajo discográfico de Sergio Dawi, el ex saxofonista de Los Redondos, será presentado el 7, 8 y 9 de julio en el Konex mediante una propuesta de teatro a oscuras. En el Estudio Calipso del barrio de Almagro se materializaron los temas de...

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Gene Simmons visitará Argentina con su banda

Gene Simmons visitará Argentina con su banda

El bajista y líder de Kiss tocará en Capital Federal, el próximo 24 de octubre junto a la La Gene Simmons Band y las entradas se pueden adquirir a través de Ticketek. Las entradas para ver a Simmons en el Polideportivo porteño de Argentinos Juniors...

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Kimé presenta

Kimé presenta "Fluir" en The Roxy

Luego de tres años como banda, el grupo de los hermanos Cordeiro llega por primera vez al barrio porteño de Palermo para tocar las canciones de su disco debut y grabar un DVD en vivo."Fluir" corresponde al disco debut de Kimé, que fue grabado en los...

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Iseo & Dodosound en Palermo Club: desafiando al reggae ortodoxo

La banda española dio su primer concierto en la Argentina el jueves, en el que demostró cómo se combinan los recursos jamaiquinos con el soul y el jazz.

Seamos honestos: cualquier banda que arranque su show con “Roots and culture”, de Mikey Dread, ya tiene el partido ganado de antemano. Y más si el grupo posee a una líder como Iseo, que se mueve por todo el escenario sin dejar de sonreír.

Esta es la primera gira latinoamericana de Iseo & Dodosound, que se formó hace apenas cuatro años y ya sacó dos discos y un single. Aunque el concierto arranca a la una de la mañana de un día de semana, 250 personas esperan por ver al dúo, que será acompañado por una versión reducida de The Mousehunters, su sección de vientos.

De esa manera, sobre el escenario hay cuatro personas: la simpática Iseo, Dodosound -el “cerebro” de este soundsystem español-, el saxofonista Iñigo Xalbador y el trompetista Alberto Sanzol.

“¡Vamos a hacer todo lo que se nos dé la gana! Eso sí, respetando al que tenemos al lado”, dice la cantante cuando ya sonaron “Roots in the air” y “My microphone”. Lo destacable es que, aunque la banda tenga sólo dos discos, ambos cuentan con un nivel superior a la media. .

También vale la pena decir que el reggae de Iseo & Dodosound no es 100% ortodoxo. Su vocalista pronuncia las palabras en un inglés más cercano al patois que al británico, pero incorporando elementos del soul, del jazz y del trip hop.

“Las estoy viendo, pero quiero saber cuántas mujeres hay en Palermo Club esta noche”, pregunta Iseo ante un público mayormente femenino. “Este tema, ‘Flower in the desert', está dedicado a lo que está pasando en la Argentina: dimos un paso adelante con el aborto seguro, legal y gratuito. Créanme: allá también se oye lo que sucede acá”.

Durante el resto del concierto la vocalista seguiría interviniendo, y hasta se incluirían tres temas sin los vientos: “Lost city”, “Freedom” -una de las primeras canciones que compusieron- y “Zombies”, en la que Iseo desaparece flanqueada por dos guardias de seguridad y regresa a los pocos minutos.

“¿Quién vino a bailar? En España es verano, así que hemos tenido que lidiar con las horas y los fríos”, agrega antes del rocksteady “We are underground”, con una intro extendida y sin dudas el punto alto de la noche. Previo al fin con “Vampire”, llegan “Digital shoots”, “Fresh air” -mezclada con una versión de Wa-Do-Dem de Eek-A-Mouse, como otro guiño a los puristas del reggae- y “The river”.

Cuando ya pasaron las dos de la mañana, Dodosound toma el micrófono por primera vez y agradece al público. Pero sin dudas, las palabras que más resonarán son las de su compañera “Algún día, todos podremos contar que fuimos parte del primer show de Iseo & Dodosound en la Argentina. Espero que así sea”. Nosotros también.

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Alcest en The Roxy: Francia nos ganó una vez más

La banda de black metal y post rock tocó el martes en Buenos Aires, cuatro años después de su última visita. Esta vez, el eje estuvo puesto en “Kodama” (2016).

“¡Felicitaciones por la victoria de hoy!”, dice Neige, el líder y alma máter de Alcest, antes de tocar el tercer tema de la noche, “Je suis d'ailleurs”. El cantante se refiere al partido entre Argentina y Nigeria, que se llevó hace unas horas y que le permite a nuestro país llegar a los octavos de final. “De hecho, el sábado vamos a enfrentarnos”, agrega entre risas el francés.

“¡Y les vamos a romper el culo!”, responde -también con humor, aunque vulgar- una de las trescientas personas que hay esta noche en The Roxy Live. La interacción entre el público y la banda es constante, y una de las grandes razones es la lista de temas: Alcest abre su show interpretando “Kodama” (2016) en su totalidad. Una muestra de poder, de que el grupo va a tocar las canciones clásicas, pero primero hay que recorrer su presente.

En vivo, este disco suena con muchísima fuerza. Winterhalter le pega a su batería con una agresividad de la que carece el álbum -con el doble pedal y un redoblante cristalino-; el propio Neige se agacha frente a su amplificador para conseguir acoples en “Untouched”, y los gritos en “Oiseaux de Proie” se tornan más provocadores que en estudio.

Una vez que pasa “Onyx”, el último de “Kodama”, llega el momento de desempolvar las gemas. Ahí es donde Alcest recurre inteligentemente a “Souvenirs d'un autre monde”, de su primer disco (2007). Si algún despistado todavía no había entrado en calor, ahora no le quedan excusas.

El guitarrista Zero y el bajista Indria aprovechan a tomar la delantera en temas como “Percées de lumière” y “Autre temps”, aunque apenas éste termina, es el líder quien recibe otra ovación mundialera: “¡Neige, sos más lindo que un gol de Messi!”.

Justo una hora y media después del comienzo, llega el final con “Délivrance”. Y al margen de que es martes y aún falta para que los europeos nos dejen fuera del Mundial, sí sabemos algo: con Alcest, a Francia no le hacen falta once jugadores para ganarse nuestra ovación… ni para vencernos por goleada.

Foto: Prensa.

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Spinetta en La Plata 2004

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El Teatro Argentino de La Plata es un escenario magnífico que fue testigo de un gran show de Luis Alberto Spinetta, el 13 de noviembre de 2004. Acompañaron al Flaco Javier Malosetti en bajo, Claudio Cardone en teclados, el Tuerto Wirzt en batería, Nico Cota en percusión y Baltasar Comotto en guitarra. De ese show, grabado directamente con sonido de consola, rescatamos tres clásicos: "Despiértate nena", "Me gusta ese tajo" y "Seguir viviendo sin tu amor".

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Stereopop: “Este proceso nos va a nutrir de nuevos recursos”

El trío bonaerense de pop rock Stereopop lanza su cuarto álbum de estudio en el que versionan distintos temas del rock nacional.

“Se dio de manera natural, casi como jugando –cuenta su cantante y guitarrista Diego Luna–. En vivo desde 2017 hacemos ‘Puente' de Gustavo Cerati, y de manera espontánea fuimos por un lado bastante alejado de lo que es la original. De ahí surgió la idea de agarrar las canciones, desarmarlas y volverlas a armar a nuestro modo, y nos llevó a lugares tan divertidos y mágicos que decidimos darle forma de disco”.

“Yo te diré” de Miranda y “Sin cadenas” de Los Pericos son los dos primeros singles elegidos para anticipar este nuevo material del conjunto que lleva diez años de carrera y que se completa con Damián Birschens (teclados) y Alfredo Santillán (batería).

¿Cómo fue la selección de los temas?

Salieron de una inmensa lista que fuimos armando, de lo que nos marcó de adolescentes y de comentarios de la gente que nos fue sugiriendo canciones para reversionar. Ante todo, la elección y decisión de cada canción es una suma de varias cosas: lo que fue la canción para nosotros en nuestras vidas, la aventura de llevarlas hacia otro lado, otro estilo, otro ritmo, otra química. Algunas de las que ya llevamos grabadas y lanzadas realmente nos dieron trabajo, ya que encaramos el disco y cada canción como un desafío, experimentar al máximo nuestros recursos y que la obra llegue a lo más alto que la podamos llevar. Tuvimos muy buenas repercusiones de los compositores originales, eso también nos alimenta a sacarle el jugo a cada una de ellas y la motivación que nos dio tales comentarios.

Además de este lanzamiento, ¿están pensando en algún disco nuevo con canciones propias?

Las canciones van sucediendo, a veces sin buscarlas, en un viaje, en cualquier momento. Tenemos composiciones nuevas que esperamos el próximo año llevarlas a lo que va a ser nuestro quinto disco de estudio. Imaginamos un próximo álbum con toda la sabiduría que ganamos en estos últimos años, más la experiencia de haber trabajado sobre este disco de reversiones, de tan grandes y lindas canciones. Este proceso estoy seguro que nos va a nutrir de muchos nuevos recursos.

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Bluesmog! presenta “Somos tus animales”

El nuevo disco de Bluesmog cuenta con diez temas propios que despliegan bases potentes, combinadas con una amplia paleta de sonidos derivados tanto de su influencia pop rock, como del post punk que marca la identidad compositora que adoptan. A su vez, las melodías de las voces y las letras de las canciones sientan su clara posición en contra de los pre-conceptos establecidos.

El grupo oriundo de Capital Federal y la Zona Norte del Gran Buenos Aires acaba de lanzar "Somos tus animales", su primer LP, en todas las plataformas digitales. El mismo fue grabado en agosto de 2017 con la producción artística conjunta de Lucas Solohaga y Bluesmog! en el mítico MCL Records. El ingeniero de grabación a cargo fue Emiliano Bentancourt, con Javier Rubio como Drum Doctor. La mezcla fue llevada a cabo por Lucas Solohaga y la masterización, en tanto, fue realizada por Martín Di Lacio en Núcleo Records.

¿Cuáles fueron los inicios de Bluesmog!?

Martín Garchtrom: En el 2008, cuando estábamos en el colegio, armaron una movida para tocar bandas y no tenía batero. Ví que Lucas Bertello tocaba y le dije si quería sumarse. En ese momento cantaba mi hermano, Hernán Garchtrom, y Ari Savransky se había comprado una guitarra. Así armamos la banda y nos empezamos a juntar para tocar covers de Guns'n'Roses y cosas de hard rock que a Ari le gustaban. Al resto siempre nos atrajo el funk.

En el año 2010 Hernán se compró el bajo e iniciamos la búsqueda de cantante. A la par compusimos temas propios y decidimos salir a tocar. Lamentablemente, el vocalista que conseguimos asumió que no podía afrontar el compromiso y se fue.

Volvieron a la búsqueda y apareció Majo Bucciarelli.

Majo: Sí, empecé a cantar en 2010 y habían pasado dos años desde que me mudé a Buenos Aires. Soy oriunda de Paraná, Entre Ríos, y vine acá a estudiar Economía. En ese tiempo me encontré con un conocido que tenía una banda y buscaba cantante. Ahí empecé y permanecí un año y pico, hasta que me echaron porque dijeron que no querían mujeres en la banda. Mi teoría fue que no me aguantaban, y hubiese sido más entendible.

Terminamos armando un grupo con cuatro chicas y un pibe. En paralelo tenía mi proyecto solista y quería armar algo para salir a tocar. Entonces me anoté en una página para buscar músicos y me escribió Hernán. Le dije que estaba con dos bandas y una carrera, pero que me pasara lo que hacían para recomendárselo a alguien. Cuando escuché los temas mi primera sensación fue que tocaban re bien.

Fue tentador

Majo: Sí. Dije "ya fue". Tenía tres bandas y con el pasar del tiempo me quedé con Bluesmog!.

Martin Garchtrom: Como no cantábamos, zapábamos y armábamos estructuras.

Lucas: Ella tenía el proyecto solista y trajo sus temas.

Majo: Mi fuerte siempre vino del lado de la composición y lo que ensamblamos con los chicos fue el resultado de que a ellos también les gusta armar estructuras. Lo que hoy en día empezó a pasar fue que cualquiera de nosotros traía algún arreglito y adentro de la sala lo íbamos puliendo hasta que quedaba el tema. Todos fueron parte de una creación colectiva.

Incorporaron la guitarra de Martín Szeinfain como sesionista.

Majo: Sí. Ari nos planteó que no tenía tiempo para seguir con el proyecto, pero que nos daría una mano hasta donde necesitáramos y nos seguiría prestando su equipamiento. Siempre será parte de la banda, porque así nos creamos. Posterior a eso se incorporó Martín.

Hablemos de las influencias.

Majo: Fue por etapas. Cuando grabamos el EP "Que venga" en 2014 cada uno tenía los suyos. Desde Rockabilly hasta pasar por el Hard Rock, el Funk y el Indie.

El material fue como un muestreo de lo que hicimos y, a partir de ahí, nos planteamos definir quiénes éramos. Por un lado estaban las influencias individuales de esa primera etapa y, por otro, las de nuestra identidad.

Hernán: Si lo escuchás te das cuenta para qué lado va la banda. En cuanto a influencias, podríamos mencionar a Arctic Monkeys, Franz Ferdinand y The Black Keys, entre otros.

Majo: También lo que representa el indie más duro. Lo nuestro vendría a ser un Post Punk Revival.

¿Qué mensaje buscan transmitir en "Somos tus animales"?

Hernán: Yo creo que el concepto del disco representa lo que fue la banda a partir de que salió el EP. Fue todo ese proceso, que se nota en las letras y las atmósferas que se van generando, lo que decantó en la identidad que buscábamos.

Martín Garchtrom: Cuando terminamos el EP, arreglar los errores y los palos que nos pegamos hicieron plantearnos trabajar las cosas de otra manera. "Somos tus animales" lo encaramos con mucho más tiempo y con una ideología clara.

Hernán: Desde que arrancamos con el proyecto planteamos el cuestionamiento a los modelos ya establecidos y, casualmente, la salida del disco se dio en este contexto que estamos viviendo a nivel país.

Majo: Después de nuestra primera etapa de grabación se consolidó también la interacción y el ensamble de la banda. Cuando empezamos a armar el segundo disco terminó pasando que en el total era una constante incomodidad por un montón de situaciones y la disconformidad social.

¿En qué momento decidieron grabarlo?

Hernán: En 2016 y nos costó mucho encontrar a la gente correcta para el trabajo. Sobre todo porque la grabación del EP fue demasiado larga para cuatro temas.

Majo: Yo consideraba que teníamos una química que no se iba a notar nunca si lo tocábamos separados. De hecho cuando grabamos, canté todo el tiempo aunque no quedara registrado.

Martín Garchtrom: La pre-producción nos llevó un año y medio, así que estábamos afiladísimos en lo que teníamos que hacer. A su vez, nos dimos cuenta que era una obra completa.

¿Con quiénes trabajaron la producción?

Martín Garchtrom: Buscamos un montón y finalmente dimos con los chicos de Nucleo Records. Ahí conocimos a Lucas Solohaga, que resultó ser el productor del disco. Creo que hizo lo que tenía que hacer, con pocos arreglo pero puntuales. Pasó lo mismo con Martín, que encargó del tema del mastering.

Hernán: El lugar elegido fue MCL y Emiliano Bentancourt fue el ingeniero de sonido. Javier Rubio hizo de Drum Doctor.

Majo: Lo grabamos en agosto de 2017 y en tres días estaba terminado.

Martín Garchtrom: Nos encantó cómo quedó el disco.

¿En qué formato va a estar disponible?

Majo: Por el momento va a salir sólo en formato digital. El físico hoy por hoy no representa una inversión, sino un gasto.

Martín Garchtrom: Habrá una pequeña tirada, a modo de carta de presentación, porque los discos ya no se venden.

¿Cómo es el vivo de Bluesmog!?

Martín Garchtrom: Yo creo que el vivo supera el disco y es lo que nos ha dicho cada persona que nos fue a ver.

Majo: Cuidamos e invertimos mucho en el tema del sonido.

Lucas: Es un puñetazo en la cara porque es corto y deja manija a la gente.

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Robinho Cassares: “Es un álbum climático”

El músico rosarino Robinho Cassares, líder de Blizters, lanzó su primer disco solista, "Familia", con canciones apoyadas sobre estructuras loopeadas llevadas al minimalismo, hip hop, ambient y progresivo.

“Está basado en la búsqueda de nuevos paisajes sonoros –afirma el cantante y guitarrista–. Acostumbrado siempre al rock estridente, me di el espacio para lograr climas que nunca antes había experimentado. Es un álbum climático”.

Como una necesidad de supervivencia, Robinho Cassares hace música para estar en actividad constante: tocar, viajar, buscar la canción, la letra, la melodía, y señala que su lugar en el rock en la Argentina es donde la música lo lleve.

¿Cómo enfrentaste el desafío de pasar de estar con una banda a entrar a grabar en solitario?

No creo que haya sido un desafío, fue simplemente hacer música desde una perspectiva que nunca me permití antes. Las canciones son, lo que hago con los matices es vestirlas de una forma u otra. Es decir que un tema puede ser grabado para que suene punk o también para que suene folk, o cualquier género que le quiera dar. Además me gustó grabar todos los instrumentos, tener el control absoluto sobre la obra.

Suena algo irónico, ¿por qué decidiste ponerle “Familia” a tu disco en solitario?

La música también puede ser irónica, no hay nada de malo en ello. Igualmente “Familia” era una palabra que, a la hora de grabar el disco, me estaba dando vueltas en la cabeza. Mis amigas y amigos, las provincias y sus músicas, mi hija, Nicolás Lombardo con quien grabe el disco, César mi mentor, mi familia de sangre, Chancho Discos y Júbilo Discos, todo ese conjunto de vidas son los que forman mi familia.

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Acorralados: “La mentira tiene patas cortas”

La banda porteña de rock Acorralados lanza su segundo disco de larga duración, "Naturaleza plástica", en donde confrontan a todo lo falso en la música.

“El eje temático del disco es bien variado –señala el cantante y guitarrista Leandro Visca–. Pero siempre el título de un disco es el que dispara una idea que predomina sobre las demás ideas. Quizás lo más fuerte que me surgió como autor lírico fue una crítica a la escena que estamos viviendo hoy en día en la música y en especial en el rock. Pero una crítica desde adentro, siendo parte. Con un poco de vergüenza también. Esa idea de lo plástico es bien lineal, es una referencia a lo falso. A lo que no somos y queremos ser”.

Formados en 2008, Acorralados cuenta con otros dos materiales, otro larga duración de 2013, "Dicen las fronteras" y un EP “Volver” de 2016. Para la producción de este álbum, el conjunto que se completa con Hernán Arroyo en bajo, Facundo Visca y Santiago Rossi en guitarras eléctricas y Nicolás Stavisky en batería convocó a dos integrantes de El Bordo, Miguel Soifer y Pablo Spivak.

Al respecto, el frontman remarca: “Contar con ellos fue tener un arsenal de recursos mejorando cada parte de cada tema. Nos potenciaron, mejoraron la banda, nos llenaron de recursos y de experiencias que antes no teníamos. Lo lindo fue poder abrir el corazón y las canciones a su criterio y confiar. Muchas veces, después de las modificaciones, me volvía a casa derrotado, pensando que había perdido una parte irremplazable de una canción, y después era un éxito. La síntesis de esa unión fue la confianza. Tuvimos que creer y hacer. Y el balance es un éxito”.

En cuanto a la diferencia en lo musical con los álbumes anteriores, Leandro afirma que existe un crecimiento absoluto en el sonido que ya les otorga una personalidad y que es primordial seguir divirtiéndose. Las similitudes entre los tres discos se encuentran en las letras y la idea de hacer temas concretos que signifiquen y cuenten historias.

“‘La Espera' habla de mi hijo que está viniendo en camino cuando nada más era un proyecto. ‘Magnificar' habla de mi gata. ‘Pompeya' habla de la resistencia obrera en la ocupación de AGR Clarín. Todo eso es genuino. Lo sentí cuando lo compuse y lo escribí. A eso apunto con ‘Naturaleza Plástica' también. Dice la canción ‘Mi corazón estará siempre en el lugar donde haga falta, en donde sienta, donde quiera arder'”.

¿Qué es eso que te resulta falso y te molesta del rock?

Si los noventa fueron la escena de una batalla cultural que el rock tuvo que dar, la post escena fue la pelotudez: los covers de veinte segundos en las redes, los guetos de artistas de moda, sindicatos sólo de cartelera que vacían el contenido al concepto de sindicalismo, todos peinándose para la foto y haciendo música realmente mala. Porque, he aquí el problema, la música no importa. Lo que importa es lo que sale en las fotos. Entonces tenés coberturas fotográficas en donde la mitad son fotos del público.

¿A qué crees que se debe?

Es un tema complejo pero forma parte de la cultura del aguante. Eso nos costó mucho. La música necesitó tanto de la “fiesta” que pronto se convirtió en una fiesta en la que la prioridad no es la calidad de la música. Me encontré haciendo canciones de naturaleza plástica y dije basta. Muchas veces el consejo es hacer lobby por la banda, ir a los bares de moda, relacionarse con los artistas que están más cerca del mainstream. Qué se yo. Me aburre eso. Me gusta hacer temas que me llenen, me gusta mirar fútbol y jugar a la play, comer un asado con mis amigos, estar en casa con mi mujer, mi perro y mi gata. Eso es un sentimiento genuino. Por eso vivo. Ahí pongo mi corazón entero. La vida para mi es eso. El resto existe. Pero es como la golosina, no alimenta.

¿Cómo se preparan para el show en el Roxy y qué expectativas tienen?

La expectativa es la más grande y linda: que nuestras canciones les llenen el corazón y podamos vivir una gran noche. Nos preparamos ensayando el disco con todo. Lo bueno es que nos gusta tanto que disfrutamos tocarlo cada vez en la sala. Es muy divertido. Seguimos descubriendo cosas que pasan en los temas. Como si uno no lo hubiera tocado. Soy fan de mi disco. Si no te pasa eso, fuiste. Estás fregado. Como dice Silvio, tenés que amar la arcilla que va en tus manos y sino no la emprendas porque es en vano. Es así. Por eso cada vez me cierra menos este estado de las cosas. No comprendo cómo puede funcionar una canción que no es genuina. Que no tiene sustento en lo real. Ahí perdió la canción. Pero ojo. Hay muchos que hacen lo contrario. Que aman la música, que le ponen el alma, y que trascienden. Conozco a muchas y muchos. Para el resto, el pronóstico es funesto. Por más que jueguen bien, se van en primera ronda. La mentira tiene patas cortas.

Acorralados se presentará el viernes 3 de agosto en The Roxy Live. Niceto Vega 5542, CABA.

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El final de Seru

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Seru Giran despidió el '81 con tres shows en el Teatro Coliseo. Esa noche estrenaron varios temas: “Oh, Dios, qué puedo hacer”, “Yo no quiero volverme tan loco” e “Inconsciente colectivo”. Al poco tiempo, Pedro Aznar comunicó su decisión de irse a estudiar a Estados Unidos, por lo que muchos marcan esta serie de conciertos como el verdadero final de Seru Giran.

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Alcest: “Existe otro mundo más allá de nuestra comprensión”

Neige, el líder de la banda de blackgaze, recuerda las experiencias sobrenaturales que vivió de chico. Además habla de “Kodama” (2016), y adelanta el show del martes en The Roxy Live. Entrevista exclusiva con Rock.com.ar.

“Hago música porque lo que viví es muy complicado de describir con palabras”, dice el francés Stéphane Paut, más conocido como Neige, cuando se le pregunta por las situaciones paranormales que atravesó siendo un niño. “Me transporté al lugar más pacífico, hermoso y radiante que se podría imaginar. Era un jardín muy vívido, con árboles brillantes, arroyos zigzagueantes y música flotando en el aire. Nunca supe lo que realmente fue, ¿entendés?”, explica del otro lado de la línea.

Haber tenido esas visiones cambió la manera de ver el mundo del cantante y guitarrista. Para él no se trató de sueños, sino de experiencias reales. “Creo que hay cosas que no podemos ver con nuestros ojos, o que son recuerdos de vidas pasadas. Sé que el planeta como lo conocemos no es el 100%. Existe otro mundo más allá de nuestra comprensión”.

Alcest se podría definir como una mezcla de post-rock, shoegaze y black metal (sobre todo en sus primeros discos). El proyecto se inició en el año 2000 como el álter-ego de Neige, y en 2009 se sumó el baterista Winterhalter. En vivo, la banda tiene dos miembros más (el guitarrista Zero y el bajista Indria Saray), además de cinco discos de estudio y la dicha de ser una de las más convocantes en los festivales europeos.

“Kodama”, su álbum de 2016, incluso llegó al puesto 8 del ranking Billboard (dentro de la categoría Heatseekers Albums). Todo un logro para un grupo como Alcest, que nunca se desvió de su leitmotiv principal: evocar aquel mundo paralelo al que Neige había accedido de chico.

-En su momento, ¿compartiste esas experiencias con alguien?

-Realmente no, me las guardé para mí mismo. No me di cuenta de lo que me estaba pasando. Di por sentado que eran normales, y recién cuando fui adolescente descubrí que habían sido especiales. Cambiaron mi vida.

-¿En qué contextos tenías esas visiones?

-Diría que en ningún ámbito específico, pero más que nada cuando estaba en contacto con la naturaleza. Especialmente en la primavera, que el ambiente renace y está muy vivo. Para mí, ir al aire libre es volver a contactarme con aquello. Por eso el cambio climático es tan importante -”Kodama” lo tiene como aspecto central-, y de algún modo se relaciona con lo que viví de chico.

-Hoy tratás de vincularte con lo espiritual, pero no sos una persona religiosa. ¿Cómo lo lográs?

-Es una muy buena pregunta. Como vos dijiste, no soy creyente. En realidad, todas esas “organizaciones” nos separan de las divinidades. Si existe un Dios, no necesitamos de ninguna iglesia, monje o guía: está todo dentro nuestro. La religión no se enfoca en lo espiritual, sino en acumular poder y dinero. Es muy importante separar las dos cosas: la espiritualidad tiene que ver con lo que vos mismo experimentás, y no lo leés en ningún libro. Lo vivís, y por eso es tan interesante. Por mucho tiempo no hice nada, pero recientemente empecé a meditar. Es muy difícil, aunque te “baja a tierra”, aprendés a apreciar todo de otra manera y dejás el piloto automático. Es un proceso muy introspectivo, y te abre puertas que te conectan con lo esencial. Encontrás cosas que ni te imaginabas que estaban ahí.

Sin las barreras del lenguaje

Además de haber sido uno de sus discos más trascendentes, “Kodama” carece de palabras reales durante parte de las canciones. Neige piensa que no es del todo necesario usarlas, y emplea su voz como un instrumento más.

“Nuestra música es tan melódica que puede tocar a un montón de gente de diferentes maneras, sin que entiendan el concepto en sí. En las canciones se siente lo que queremos transmitir -explica-. Por ejemplo, en nuestro segundo álbum, ‘Écailles de Lune' (2010), que tenía la portada azul, la gente se podía dar cuenta de que hablábamos sobre el mar y que el concepto era bastante acuático”.

Para él, “Kodama” -que Alcest presentará en Buenos Aires el martes próximo- incita a alentar a cuidar más el planeta en el que vivimos. “Es importante que la gente tenga empatía. Ese ideal está muy presente en películas como ‘Princess Mononoke' (Japón, 1997), y fue una gran influencia para mí”.

-El film que nombrás inspiró la canción “Oiseaux de proie”, que expresa que algún día la naturaleza “nos va a devolver lo que le hicimos”. ¿Pensás que ya está pasando?

-Creo que lo estamos experimentando a escala pequeña, porque el clima está cambiando mucho. Tengo sólo treinta y algo, pero ya puedo ver la diferencia desde que era chico, ¡y sólo pasaron unas décadas! ¿Qué va a ocurrir dentro de cien años? Si no hacemos nada, esto no va a terminar en un buen lugar. Tenemos que ser inteligentes y cambiar. También depende de los políticos y esa clase de gente, supongo.

-Aunque todos leímos sobre el cambio climático, es genial que la música sea tu vehículo para crear conciencia.

-Sí, absolutamente. No estoy tratando de enseñar nada ni soy un profeta, porque yo mismo hago cosas malas. Pero algunos tiran papeles en bosques y playas, ¡y me vuelven loco! ¡¿Cómo puede ser?! Es muy sencillo usar los tachos de basura. También podríamos ser más eco-friendlys con lo que compramos...

-¿Creés que las nuevas generaciones van a ser más sabias, o que van a repetir los errores del pasado?

-Pienso que vendrán personas más inteligentes. Obvio que dependerá de cada uno, porque todos somos diferentes y variamos según cómo nos criaron. Pero seguramente van a tener más conciencia. La peor generación fue la de nuestros padres, porque en ese momento no se hablaba tanto. Por suerte, ahora se está sabiendo más.

Volviendo a chillar

Otro de los logros personales de Neige fue haber tocado varias veces en Japón, un país que lo influenció desde chico y cuya importancia se puede notar en la mayoría de sus discos. Incluso Alcest dio un show en un templo budista, algo que el cantante define como “increíble”.

“Cuando giramos allá pedimos unos días de descanso, para recorrer y disfrutar. ¡No siempre vamos ahí! La mayoría de las veces estuvimos durante la temporada ‘sakura', con los árboles floridos y el ‘cherry blossom'. Para mí, ese período es la esencia del espíritu japonés, aunque sólo dura una o dos semanas. Es precioso”.

-Antes de “Shelter” (2012) dijiste que no ibas a gritar más, pero en el último disco regresaste a esa técnica. ¿Qué te hizo arrepentirte?

-Tenés razón. Después de aquel álbum sentí que tenía que hacer algo más visceral y agresivo, y los ataques terroristas de París -ocurridos en 2015- fueron muy impactantes para mí. El Bataclán está a unas cuadras de donde vivo, y conocía a personas que estuvieron en el show del atentado. Por un tiempo tuve una visión pesimista del mundo, y eso llevó a que los temas fueran más viscerales. Ahí es cuando los gritos encajan mejor. Trato de no ponerme límites, y si quedan bien, los implemento. Así que sí, empecé a chillar de nuevo (se ríe).

-También dijiste que tus gritos no vienen de tu lado “humano”, sino de la frustración que tenés por no poder regresar a esas experiencias que tuviste siendo chico. Así que poseen un componente espiritual.

-Absolutamente, ¿dónde lo leíste? ¡Porque es muy real! Esa es la diferencia con los gritos del black metal, que se vinculan más con el horror e intentan sonar como brujos en el medio del bosque. Es muy distinto: lo mío es una liberación. Una parte de mi espíritu necesita descargarse. Por eso no son gritos de miedo, sino algo casi positivo.

Presente y futuro

-Ya están componiendo el próximo disco de Alcest. ¿Qué podés adelantar?

-Empezamos a trabajarlo hace poco, pero nuevamente va a ser bastante heavy. Una especie de continuación de “Kodama”, pero obviamente diferente. No nos gusta hacer siempre el mismo disco. Lo que se viene será muy épico y tendrá que ver con mis cambios de vida, mis experiencias con la meditación y mis reflexiones sobre la espiritualidad y sus diferencias con la religión. Ojalá que salga el año próximo.

-El martes van a presentarse por segunda vez en The Roxy Live. Van a interpretar “Kodama” entero y algunas canciones clásicas, ¿pero qué más podés contar?

-Bueno, hacía casi seis meses que no tocábamos, y para nosotros es un montón, así que nos tomamos una semana entera para ensayar. Después hicimos dos shows importantes, uno en el festival Download de París y otro en el Meltdown de Londres, que fue curado por Robert Smith -de The Cure-. Pero los conciertos latinoamericanos van a ser muy especiales para nosotros, porque fuimos por última vez hace cuatro años y la pasamos excelente. Nos pone felices volver y ver a nuestros fans. ¡Prometemos dar lo mejor de nosotros y tocar temas que dejen contentos a todos!

Alcest tocará el martes 26 de junio en The Roxy Live (Av. Niceto Vega 5542, Buenos Aires). Las anticipadas se consiguen a $850 (más costos de servicio) a través de AllAccess.

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Colo: “No tenemos líder ni creemos en los líderes, cada integrante hace su trabajo con amor para que Nolbelto crezca”

El guitarrista de Nolbelto habló sobre la experiencia de grabar en el estudio de Palito Ortega, la vuelta de Tromps, y la preparación de un nuevo show del grupo en suelo porteño.

¿Se disfrutó la experiencia de grabar "Barrilete" en un estudio tan groso como Los Pájaros?

¡Muchísimo! Es un estudio grande con muchas comodidades y un sonido espectacular. También es mítico y donde fluye una energía muy intensa y muy musical. Ahí estuvieron grandes artistas como Charly García y Mercedes Sosa. Nosotros lo aprovechamos al máximo y nos quedamos unos días grabando y disfrutando del sol del campo.

¿Buscaron ese mismo estilo transgresor de trabajos anteriores o tienen otra idea diferente?

La verdad que sí. Desde la composición busqué transgredir el sonido prefabricado que se escucha hoy en día; hacer canciones que no gusten (ríe). Que algunas sean sin estribillos, que otras tengan distintos tempos y ritmos dentro de una canción, que canten diferentes personas y que las canciones sean bien pasionales, que tengan su propia alma, que no quieran parecerse a otras. Eso se ve reflejado en este nuevo disco, un nuevo sonido más amplio en su diversidad y compacto en su estilo, con una esencia bien punk y bien rockera. En eso ayudó mucho Claudio Cannavo como productor artístico para encausar ese camino de pasión musical.

¿Cómo los tomó la ansiada vuelta de su líder Tromps al ruedo?

La vuelta de Tromps Putrefacto (aclara que no es líder) nos llenó de alegría, pero siempre se ve atravesada por la tristeza de la vida. Es difícil de explicar la situación, solo se puede vivir, solo queda vivir y atravesar la ruta del desencuentro y la pasión. Él es el autor de todas las letras y es un gran artista y cantante, nunca se fue o mejor dicho siempre se está yendo, también siempre esta volviendo, es único.

¿Y entonces quién lidera Nolbelto?

El único líder es el mismo Nolbelto que todavía lo estamos descifrando en una clave musical muy compleja. Las canciones hablan por sí solas. No tenemos líder ni creemos en los líderes, cada integrante hace su trabajo con amor para que Nolbelto crezca dentro de una leyenda musical.

¿Cómo fue grabar una canción con Daniel Melingo?

Son esos placeres y lujos que te da la vida. La verdad que esta canción siempre fue compuesta desde mi punto de vista para que la interpretase Melingo. Siempre me vi influenciado por su obra y en esta composición yo ya soñaba con su voz.

¿Pero cómo se dio?

Le llevamos la canción y una maqueta de la voz como referencia y el grabó en su estudio la voz principal interpretando la letra escrita por Tromps de una manera tan hermosa que emociona. Le adicionó un solo de clarón muy sensible que se mezcla de manera sensual con el sonido de las guitarras. Y bueno quedó una canción que nos enorgullece y que enaltece el mito de Nolbelto, con un sonido completamente nuevo y profundo.

¿Cómo preparán el próximo show?

La fiestafecha que vamos a promover va a tener el disco nuevo sonando con las pistas de Melingo y de mi voz, además de la inconfundible de Tromps, con proyecciones cinematográficas que destaparán los sentidos oprimidos del sistema...

Nolbelto se presenta el sábado 7 de julio en el Salón Pueyrredón de Palermo


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