Sergio Dawi:

Sergio Dawi: "Jaqueados me parece que es la síntesis de un estado generalizado que veo del mundo en este momento"

El tercer trabajo discográfico de Sergio Dawi, el ex saxofonista de Los Redondos, será presentado el 7, 8 y 9 de julio en el Konex mediante una propuesta de teatro a oscuras. En el Estudio Calipso del barrio de Almagro se materializaron los temas de...

Leer más
Gene Simmons visitará Argentina con su banda

Gene Simmons visitará Argentina con su banda

El bajista y líder de Kiss tocará en Capital Federal, el próximo 24 de octubre junto a la La Gene Simmons Band y las entradas se pueden adquirir a través de Ticketek. Las entradas para ver a Simmons en el Polideportivo porteño de Argentinos Juniors...

Leer más
Kimé presenta

Kimé presenta "Fluir" en The Roxy

Luego de tres años como banda, el grupo de los hermanos Cordeiro llega por primera vez al barrio porteño de Palermo para tocar las canciones de su disco debut y grabar un DVD en vivo."Fluir" corresponde al disco debut de Kimé, que fue grabado en los...

Leer más
 

Los Fabulosos Cadillacs lleva su Acto Final al Luna Park

La mítica banda de Vicentico y Flavio se presentará el sábado 7 de abril, en Capital Federal, para cerrar esta reciente y exitosa etapa en la historia del grupo. Toda la info de entradas en la web del Luna Park.

"La salvación de Solo y Juan" es una obra de LFC, que representará una bisagra para la historia del rock latinoamericano. Es un recorrido a través de 14 canciones en la historia de vida de los hermanos Clementi. Se divide en tres actos.

Las cuatro canciones del primer acto representan la inconfundible esencia de la banda de rock más resonante en el inconsciente colectivo latinoamericano y nos introducen a la apasionante historia de estos dos hermanos, que te atrapa hasta conocer su final.

Las canciones de "La salvación de Solo y Juan" fueron compuestas por Vicentico y Flavio Cianciarulo, mientras que la grabación contó con la participación de Héctor Castillo, el reconocido productor e ingeniero venezolano que trabajó entre otros con Gustavo Cerati y David Bowie.

Con este último álbum con el que recorrieron América Latina, Estados Unidos y Europa Los Fabulosos Cadillacs se despiden con su “Acto Final” el sábado 7 de abril en el estadio Luna Park.


Leer más

Juanjo Scala: “Quiero conquistar el mundo libre”

Juanjo Scala, un músico con una larga trayectoria en distintos proyectos, presenta “Fluo”, su primer álbum solista que navega por el pop y la electrónica.

“Toco en bandas de rock desde mis 13 años y pasé por muchos estilos de música y por muchos músicos que me moldearon, algunos más que a otros, y que me ayudaron a convertirme en este personaje llamado Juanjo Scala –señala el cantante–. Ahora siento que tengo que expresarme solo y en total libertad como si fuera un ave sin rumbo. La música y el amor libre triunfarán, de eso estoy seguro”.

El las diez canciones que conforman “Fluo”, Juanjo Scala vuelca todo lo aprendido en los años en que participó de bandas como Interama, Push Up, Suami y Caballos Rojos. “Aprendí de un montón de colegas y amigos –afirma–. Recuerdo haber participado de proyectos electrónicos, más rockeros y hasta de riot grrrl en su momento”.

Juanjo sentencia que la década de los 80 en Argentina fue de gran influencia puntualmente por su movida libertaria y sin límite mental y agrega: “La libertad musical sin límites es algo que me obsesiona mucho más incluso que tocar un instrumento. Bandas como Virus fueron revolucionarias y el tema sería que si aprendiste algo de eso, para ser revolucionario como ellos, no tengo que hacer lo mismo musicalmente, tengo que innovar todo lo que pueda. El hermoso concepto de la modernidad, la novedad, y la sorpresa, nunca mueren. No quiero repetir y ser lo mismo que otros. Lo nuevo es genial, lo repetido me saca libido”.

¿Qué quisiste mostrar en “Fluo”?

Fluo es el nuevo color que adoptó mi generación, por eso decidí ponerle así al disco. Soy romántico, pero no de parejas que se aman. El amor es la mejor versión de cada persona, incluyéndome. “Fluo” es el mejor disco y más moderno de los últimos diez años, incluye cosas como dubstep en algunas canciones entre medio de un estribillo. Si querés escuchar algo moderno, increíblemente moderno, no podes perdértelo.

¿Cuál canción de este álbum es la que mejor te define?

La canción que se titula como el disco, o sea “Fluo”, es una que comienza dulcemente para terminar explotando en dubstep furioso en el estribillo, al compás de una letra que dice: “Nena debo desarmar una bomba nuclear”. ¿Qué más romántico y complejo hay más que desarmar una bomba nuclear? Esa es la que me define.

¿Qué buscás contagiar con tu música?

Que las personas se diviertan bailando mis canciones, que tienen los sonidos más bellos del mundo, y que me sigan. Quiero conquistar el mundo libre.

Leer más

Especial de música nueva en #playlistbeat

El programa de Pablo Diaz en Beat Digital programó un podcast con varias bandas post 2010 y artistas de la nueva generación como Usted Señalemelo, Perras on the Beach, Nathy Peluso, Las Ligas Menores, Louta, Luca Bocci y los españoles de El Último Vecino, entre otros.

Escuchá el podcast completo acá:



Leer más

Por qué Depeche Mode dio su peor show en la Argentina

Aunque en La Plata no faltaron clásicos, sí falló todo lo demás: desde las pantallas hasta el sonido. Crónica de un concierto accidentado y con gusto a poco.

La banda de Dave Gahan, Martin Gore y Andy Fletcher pasó por todo tipo de traumas. Desde las adicciones a la heroína de su cantante, incluyendo la competencia compositiva dentro del grupo, hasta la deserción de varios miembros. Y aunque sortearon dignamente todos esos problemas, en la Argentina dieron el peor show de sus tres visitas.

Según las cifras oficiales, 45.000 personas asistieron a la presentación de Depeche Mode en el Estadio Único de La Plata, el sábado 24 de marzo. Las entradas habían salido a la venta el 20 de abril de 2017, casi un año antes del concierto. Los precios iban desde $1.440 (por un campo trasero) hasta $3.220 (por una platea numerada).

Como era la primera visita de la banda desde 2009, las expectativas eran altas. Dos discos de estudio habían pasado desde aquel año (“Delta Machine”, de 2013; y el reciente “Spirit”, de 2017), y la gira volvía a incluir un fuerte apoyo visual gracias al trabajo del histórico diseñador Anton Corbijn.

La puesta en escena incluía una pantalla que cubría todas las dimensiones del escenario, y otras dos a los costados. Además de proyectar las visuales, también permitirían que el público que no había podido acceder a un campo VIP (de un tamaño gigantescamente vergonzoso) pudiera ver al trío inglés.


Depeche Mode en Berlín, durante el primer tramo de la gira. Así debería haberse visto el show en La Plata.

TRISTEZA NÃO TEM FIM

Pero la alegría duró sólo diez minutos. Luego de “It's no good”, la segunda canción, las pantallas comenzaron a fallar. Y la iluminación, que era deficiente, tampoco colaboró. De esta forma, las 45.000 personas vieron el 90% del show a oscuras. Había que imaginarse que Gore, Gahan, Fletcher y compañía estaban en el escenario.

Los silbidos no se hicieron esperar, y en su mayoría llegaron desde el campo trasero y las plateas. Además, en estos sectores el sonido fue pobre, un combo nada positivo.

Para peor, la banda no acusó recibo en ningún momento. Dave Gahan seguía haciendo sus piruetas en clásicos como “World in my eyes” y “Enjoy the silence”, como si ignorara que solamente era una sombra en medio de unas pocas luces verdes, rojas y azules.

Durante “In your room” las pantallas hicieron un esfuerzo por encenderse, y volvió la alegría... pero nuevamente, no duraría. A los pocos segundos, mientras Dave Gahan intentaba levantar a una audiencia desconectada -que había pagado noventa pesos por un vaso de agua, y ochenta por un paquete de Sonrisas-, apareció detrás suyo el escritorio de Windows. Sí: Depeche Mode, aquel grupo tan reconocido por sus espectáculos tremendamente visuales, estaba tocando con unos íconos y un puntero de mouse de fondo.

Y aquí viene la mayor responsabilidad del grupo: aunque algunos quieran llamarlo profesionalismo, el trío británico no hizo referencia a los “desperfectos” en ningún momento. Tampoco se pausó el show para intentar solucionarlo, ni se encendieron las luces que apuntaban al público. Mucho menos agregaron uno o dos temas como “compensación” para quienes habían pagado casi cuatro mil pesos… y apenas pudieron oír algo.

Para terminar, cuando el público se estaba retirando ofuscado luego del clásico “Personal Jesus” -que pareció ser tocado mientras se jugaba al “cuarto oscuro”- las pantallas sí se encendieron y mostraron el logo de la productora (DG Entertainment, del empresario Daniel Grinbank). Pareció una provocación para las miles de personas que aún estaban en el estadio, que se despacharon cantando “¡Hijos de puta, hijos de puta!” hasta la salida.

INTENTANDO QUE LAS COSAS CAMBIEN

Al día siguiente, Depeche Mode emitió un frío comunicado en el que le relegó la culpa “a los proveedores locales del video”, y aclaró que había sido “uno de los mejores conciertos del tour”. Pero la demagogia no alcanza para compensar el precio de las entradas, ni la decepción de casi diez años de espera. Hasta el momento, DG Entertainment no publicó ningún mensaje al respecto.

Ahora, gran parte del público se unió en Facebook para iniciar una demanda colectiva y que al menos les devuelvan parte de lo que abonaron. Mientras tanto, los fanáticos acérrimos de Depeche Mode se rasgan las vestiduras en las redes sociales, acusando a los críticos de “quejarse de lleno”.

Pero no existe peor ciego que el que no quiere ver. O en este caso, “no existe peor ciego que el que no pudo ver”. Y en un país en el que la estafa es moneda corriente, sería extraño que las cosas cambiaran. Esperamos que el reembolso llegue: sino, habrá que dejar de ir a los shows masivos hasta que paren de tratarnos como ganado.

Leer más

Louta y Valdes en La Sala de las Artes

El artista más excéntrico de la escena independiente nacional vuelve a Rosario para presentarse por segunda vez en el reducto rosarino de Suipacha y Güemes, junto al dúo cordobés, el próximo sábado 21 de abril.

Louta es él, su disco, sus stories. Son los artistas que lo acompañan, los técnicos, es el público, es cada show. Todo lo que la generación de internet siente como propio.

En 2017 Jaime James se convirtió en el líder nacional conquistando a miles de fanáticos que lo acompañan en cada show. Desde lo escénico sus shows siguen mutando y encontrando forma desde la danza hasta las escenografías, dando lugar a un todo único en tiempo y espacio.

Valdes es un dúo de pop/house originado en Córdoba y formado por los hermanos Edu y Pancho Valdés. Su novedosa producción es una invitación fresca y moderna al baile de manera espontánea, introduciendo sonidos de fino calibre y ritmos que ponen hasta al más introvertido humano a groovear.

Recientemente, el dúo ha desarrollado un combo de show en vivo y live set que mixtura los mundos de la electrónica y el pop. Canciones que se suceden entre texturas y paisajes musicales donde el virtuosismo escénico se desarrolla con gran dinamismo.

Las anticipadas para el show de Louta y Valdes en La Sala de las Artes (Suipacha 98 bis), del próximo sábado 21 de abril, se consiguen en Corrientes 755 (1º nivel de Palace Garden) de lunes a sábados de 9 a 20 y en EntradaPlay.


Escuchá el disco de Valdes acá:


Escuchá el disco completo de Louta acá:


Leer más

Diego Valdez: “El público argentino es famoso en todo el mundo”

El cantante, ex-Helker, llega a la Argentina junto a la banda belga de power metal melódico Iron Mask.

Tras una triste despedida de Helker - banda a la perteneció durante casi una década - y su radicación definitiva en Madrid; Diego Valdez, una de las voces más respetadas del metal local, vuelve a pisar su suelo natal, esta vez temporalmente, para presentar “Diabolica”, el sexto disco de la agrupación liderada por el guitarrista Dushan Petrossi.

Hace un tiempo decidiste empezar una nueva vida lejos de Argentina. ¿Cómo va eso?

Diego Valdez: Llevo unos siete meses en España y, la verdad, nos tratan muy bien, nos sentimos muy a gusto. Hubo alguna preocupación en su momento, por el tema de ser inmigrantes y cómo nos veían acá, pero apenas llegamos nos dimos cuenta de que eran fantasmas, acá se dan cuenta cuando uno no viene a bardear y se brindan por completo, el español es súper cálido y abierto cuando ve que uno es respetuoso. Sí se extrañan muchísimo los afectos, que incluyen familia, amigos, y también al público, con quienes he compartido muchos años de carrera. Pero a nivel sociedad e idiosincrasia, creo que con mi familia hemos encontrado nuestro lugar en el mundo.

En Argentina fuiste parte de varios proyectos, pero, dado el tiempo que estuviste en Helker, podría pensarse que fue LA banda ¿Cómo viviste el alejamiento?

DV: Fue muy triste, ni más ni menos que diez años de mi vida compartiendo un montón de cosas con los chicos y la gente. Y no fue una separación típica, con peleas y demás, fue de común acuerdo y en los términos que se manejan entre amigos que se quieren y se desean lo mejor: planteé mi necesidad de cambiar de vida varios meses antes de irme –hoy hace casi un año–, y ofrecí seguir trabajando a distancia, yendo a la Argentina dos o tres veces al año para hacer varios shows cada vez. Aunque en cantidad serían más o menos los mismos shows, eso iba a modificar mucho el ritmo de la banda, que venía tocando casi todos los fines de semana. Así que lo pensaron, pero lo encontraron impracticable, entendí sus necesidades y ellos las mías, así que resolvimos seguir cada uno por su lado. Fue una despedida larga y en silencio, ya que ellos decidieron cómo y cuándo se iba a anunciar mi partida, y yo me plegué a sus deseos.

Fiel a tu estilo, allá seguís estando en varias bandas a la vez, una es la belga Iron Mask ¿Cómo llegaste a este grupo?

DV: Fue raro, porque, si bien grabé “Diabolica” en 2015 y estaba la idea del viaje, no era más que eso: una idea. Así que grabé el disco, pero sin mucha idea de cómo se iban a hacer los shows estando yo en Argentina. El contacto con Dushan venía desde antes, le habían llegado algunos trabajos míos y le habían gustado mucho, me propuso una primera vez grabar para la banda, y yo no estaba disponible; después llego la segunda propuesta, ya que Mark Boals no podía continuar, ahí acepté, y acá estamos

¿Vivir en Europa cambió de alguna manera la dinámica de trabajo con la banda?

DV: Totalmente. Ya para ellos era un problema que Mark viviese en USA, porque dificultaba el tema shows. El cuartel general de la banda está en Bélgica y yo vivo en Madrid, lo que, para nosotros, en Argentina, sería a un tiro de piedra, una hora y media de avión, nada, y los vuelos dentro de la UE son muy económicos, ideal. Durante la era de Mark no pudieron hacer demasiado de vivo, ahora que yo estoy cerca eso se reactivó, ya hicimos varios shows en Bélgica, Francia y Portugal, pronto creo que viene más Bélgica, Holanda y Alemania. Así que sí, cambió mucho la dinámica de trabajo.

Hablabas de Mark Boals, fuiste su sucesor ¿Cuándo llegaste al grupo tuviste tu espacio, era más ser un “reemplazo” del que se fue; o cómo lo viviste?

DV: Siempre trato de tomar el lugar y hacerlo mío respetando siempre a mis predecesores. Mark es una leyenda, pero yo hago las cosas a mi manera, no lo puedo evitar, tomé lo que él hizo y lo adapté a mí. Cuando salió “Diabolica” estaba expectante, es lógico: nuevo cantante, el anterior fue Mark Boals y pensaba “¡Ojalá no me maten mucho!” (risas), pero absolutamente todas las reviews me trataron con muchísimo respeto y fue todo muy positivo. Con la banda pegamos onda inmediatamente, fue como si nos conociéramos de toda la vida, tenemos todos más o menos la misma edad y a pesar de haber vivido en lugares tan distantes, las experiencias de vida se parecen mucho. Me dieron el lugar y yo lo tomé, ningún problema.

“Diabolica” (2016) es el sexto disco de la banda ¿De qué trata?

DV: Dushan podría explicarlo mejor que yo, ya que él hace absolutamente todo en la banda, si escuchás el disco te das cuenta de que tiene una cantidad increíble de música en la cabeza y sabe cómo plasmarla en una canción; pero hablé con él acerca del significado del álbum: sin llegar a ser conceptual, trata en varias canciones de las cosas que están mal en el mundo, la maldad y la locura del mundo de hoy, pero también habla de otras de las pasiones de Dushan, la literatura y la historia, lo cual fue raro de cantar para mí en un principio, supongo que tendrá que ver con la sociedad en la que se crió cada uno, que permite que se desarrollen sensibilidades diferentes. En Argentina veo más difícil que a alguien se le ocurra hablar de Galileo, por ejemplo.

Volvés a la Argentina con Iron Mask ¿Cómo surgió la idea de venir, tu inclusión tuvo algo que ver?

DV: Sí. De cualquier manera, los muchachos ya habían oído hablar de Argentina, como la mayoría de los músicos en Europa ¡El público argentino es famoso en todo el mundo!, y yo les contaba de mi gente, así que están como locos, cuando se presentó la oportunidad solo hubo una respuesta: ¡vamos! Para mí fue un golpe de suerte el hecho de poder reunirme tan pronto con familia, amigos y con mi público también. Volver en el marco de un show es soñado, vuelvo con amigos a tocar y me reencuentro con toda mi gente querida, y encima en La Trastienda que es un lugar maravilloso para hacer shows. No se puede pedir más.

¿Cómo son los vivos de Iron Mask?

Es una banda épica, fuerte y melódica a la vez, elaborada pero no complicada y con canciones geniales. Creo que les va a encantar a propios y extraños.

¿Qué expectativas tenés para el show en Argentina?

Las mejores, los chicos están como locos, yo estoy como loco, y los esperamos a todos ¡así nos volvemos locos todos juntos!

Iron Mask se presenta el sábado 5 de mayo en La Trastienda Samsung (Balcarce 460, CABA)

Leer más

Libre descarga, episodio #13

Suscribite al podcast: iTunes / Android / RSS

Averigüen la fecha de lanzamiento de un disco groso, rastréenlo en los lugares de siempre el mismo día de la edición. ¿Cuántas descargas encontrarán? Imaginen la situación... de un lado, un puñado de empleados de estas organizaciones anti piratería y los más modernos sistemas de rastreo automatizado... y del otro, millones de fans en todo el mundo que copian y pegan, descargan y republican... Una loca carrera del gato contra el ratón, en la cual ya se sabe de antemano quién prevalecerá.

Las bandas que suenan hoy son Reiband, Acorazado Potemkin, Matasiete, Bodie y Montecarlo.

Leer más

Don Lunfardo y el Señor Otario: show y algo del disco nuevo para aflojar la manija

La banda platense pasó por #playlistbeat, el programa que conduce Pablo Diaz D'Angelo en Beat Digital, para anticipar su show del 7 de abril en La Sala de las Artes y dar algunas pistas de lo que será un tercer material de estudios, que ya está casi listo para su lanzamiento.

Don Lunfardo presenta el show "Rosario en el hospital" el próximo sábado 7 de abril en La Sala de las Artes (Suipacha 98 bis), en lo que será un concierto para mayores de 18 años. Para más info entrá al link del evento en Facebook.

Escuchá la entrevista completa con Don Lunfardo y el Señor Otario #playlistbeat, que sale todos los días de 18 a 19 por Beat Digital Radio.



Leer más

Jeff Scott Soto: “En Sons of Apollo brillamos todos”

El supergrupo de metal progresivo formado por Mike Portnoy, Derek Sherinian, Billy Sheehan, Ron “Bumblefoot” Thal y Jeff Scott Soto llega a la Argentina para presentar “Psychotic Symphony”, su disco más reciente.

La historia es así: Mike Portnoy cuenta, en sus redes sociales, que trabaja en una nueva banda. Aunque Portnoy es un reconocido multitasking, en este caso, el anuncio genera gran revuelo entre los fans, que empiezan a ver cómo un viejo sueño se cumple. El mensaje va acompañado de una foto, unos pies calzando un par de botas tejanas que, enseguida, todos reconocen: se trata de Derek Sherinian, quien hasta 1999 acompañara al baterista en Dream Theater.

En el colmo del nepotismo convocan, nada más y nada menos: a Sheehan - compañero de Mike en The Winery Dogs y de ambos en PSMS -; a Bumblefoot - que fue parte de Metal Allegiance -, y a Jeff Scott Soto, que había abierto varias veces con su banda para The Winery Dogs.

Charlamos con el cantante del supergrupo, antes de su presentación en Groove.

Para muchos fans, ver a Portnoy y Sherinian juntos de nuevo, con canciones nuevas y perspectivas de continuidad como banda, es un sueño cumplido ¿Cómo lo viven ustedes?

Jeff Scott Soto: ¡Igual que los fans! (risas). Es un honor ser parte de esta increíble banda. Nuestros antecedentes nos hacen imparables en cualquier cosa que decidamos emprender juntos.

Son todos grandes estrellas del metal, y lejos de una batalla de egos, se ve que todos se tienen un gran respeto y la pasan muy bien ¿Cómo es tocar y componer junto a todos estos tipos?

Jeff Scott Soto: Realmente emocionante. Ya después de los primeros shows que hicimos, podíamos sentir la magia y la química que se iba creando. Es una gran sensación saber que sos parte de una banda en la que todos pueden hacer mucho más que el promedio (risas). Es una banda increíble, en todo sentido, increíble.

En “Psychotic Symphony” (2017) se puede reconocer el estilo de cada uno por separado, pero a la vez es un trabajo muy armónico ¿Cómo fue el proceso de composición?

JSS: Fue compuesto y grabado en un marco de absoluto respeto y confianza, pero, lo más importante: lo hicimos juntos. Lo que escuchás no es el resultado de uno o dos músicos manejando todo; brillamos todos, tanto en la composición como en las performances. Realmente fue mágico.

El disco retoma un metal progresivo de fuerte contenido melódico y momentos verdaderamente épicos, pero sin dejar de ser agresivo y pesado ¿Fue algo deliberado, se fue dando, o cómo fue?

JSS: Al principio la idea era que sea más progresivo, pero los fuertes antecedentes de todos en distintos estilos fueron apareciendo naturalmente en el proceso de creación, y terminamos yendo más allá del prog. Somos una banda de hard rock con tendencias al prog, metal y el rock clásico ¡Así es más emocionante!

Dentro de poco vienen a la Argentina. Todos ustedes estuvieron en nuestro país en algún momento ¿Pudiste conocer algo de música local?

JSS: Lamentablemente, cuando estamos de gira no tenemos mucho tiempo en cada ciudad, generalmente nos quedamos un día, y con tanto viaje en el medio, aun si llegamos a tener un día libre, lo último que hacemos es ponernos a buscar música o lugares ruidosos en los que quedarnos. Así que no, realmente no he tenido la oportunidad de explorar mucho fuera de los aeropuertos, el hotel o las salas donde vamos a tocar.

¿Y qué recuerdos tenés de visitas previas a nuestro país?

JSS: Sobre todo, recuerdo la comida: ¡chimichurri, entraña, panqueques, dulce de leche! Y la gente, siempre tan amigable y llena de vida. Y, por supuesto, su cultura ¡Amo Argentina!

¿Qué podés adelantar del show que van a dar en Buenos Aires?

JSS: Será un gran concierto. Van a terminar sintiendo que corrieron una maratón ¡Quedarán exhaustos, pero satisfechos!

¿Cómo sigue Sons of Apollo?

JSS: Espero que sigamos por mucho tiempo más: más discos, muchas giras ¡y un montón más de asados!

Sons of Apollo se presenta el martes 10 de abril en Groove (Av. Santa Fe 4389, CABA)

Leer más

Cradle of Filth: “Este concepto victoriano nos dio un aire fresco”

La tecladista Lindsay Schoolcraft cuenta los detalles de “Cryptoriana”, y la nueva faceta de la banda. Además, adelanta el show del jueves en el Teatro Vorterix. Entrevista con Rock.com.ar.

Desde que Dani Filth formó este grupo en 1991, pasó mucha agua debajo del puente: una catarata de miembros distintos, una docena de discos de estudio y una exposición creciente (que llegó a su cúspide después de 1996).

A la actual encarnación de Cradle of Filth la completan Martin 'Marthus' Škaroupka en batería, Daniel Firth en bajo, Richard Shaw y Marek “Ashok” Šmerda en guitarras, y Lindsay Schoolcraft en teclados.

Este último es quien más sabe sobre el presente de la banda. Al fin y al cabo, el grupo ya editó dos discos desde su ingreso: “Hammer of the witches”, de 2015; y “Cryptoriana - The seductiveness of decay”, del año pasado.

Fiel a su leyenda, el show de este jueves en el Teatro Vorterix presentará a una banda más que consolidada.

-”Cryptoriana...” cuenta con una orquesta, coros y un énfasis en el aspecto victoriano. ¿Cómo llegaron a eso?

-Cuando estábamos en la mitad del proceso compositivo, Dani nos informó que habría un concepto victoriano. Desde ahí fue que incorporamos esas ideas. Sé que para él fue como una bocanada de aire fresco, y algo que disfrutó mucho. Por suerte, no fue dificultoso trasladarlas al show. En mi caso, me influenció bastante la serie “Penny Dreadful”.

-Hicieron el 85% del álbum en Brno, República Checa. Además de ser el lugar donde viven Martin y Ashok, ¿hubo otras razones para ir ahí?

-En el aspecto compositivo, sí. Es un país muy hermoso e inspirador. Y en cuanto a lo económico, también. Fue el balance perfecto (risas).

-Son amigos de Jeff Waters, e hicieron un cover de su banda, Annihilator. ¿Por qué lo eligieron?

-Lo veníamos charlando desde hacía bastante. Un día nos encontramos con Jeff en un día libre de nuestro tour europeo de 2015, en el que presentábamos “Hammer of the Witches”. Le pedimos su permiso para versionar “Alisson Hell”, y nos dijo que estaba encantado. Una vez que lo hicimos y lo mezclamos, se lo enviamos para que lo escuchara. ¡Nos respondió diciendo que era el mejor cover! Fue muy bueno con nosotros, y claramente un honor.

-Van a tocar mañana en Buenos Aires, después de cinco años. En el medio sacaron “Hammer of the witches”. ¿Van a hacer canciones de ese disco también? Ya que no fue presentado acá.

-Sí, cambiamos el setlist, así los fans argentinos pueden escuchar muchos temas que en 2013 no oyeron. Elegimos cosas de nuestros discos anteriores, y sentimos que “refrescamos” la lista de temas. En cuanto a las visuales, ¡va a ser una sorpresa!

Cradle of Filth se presentará el jueves 22 de marzo en el Teatro Vorterix. Las entradas pueden conseguirse a $850 (más costos de servicio) en AllAccess y sus puntos de venta.

Leer más