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Sergio Dawi: "Jaqueados me parece que es la síntesis de un estado generalizado que veo del mundo en este momento"

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Kimé presenta "Fluir" en The Roxy

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John Mayer en el Hipódromo de Palermo

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Esenciales: “Macadam 3, 2, 1, 0”

Editado a fines de 1981, cuando el pelo largo, la ropa de cuero y las tachas eran distintivas de Riff. Así comienza el segundo disco de la banda: "Macadam 3...2...1...0..."

Buenos Aires, año 1981

Nunca hubiera imaginado John Loudon McAdam terminar en una canción de Riff. Éste señor fue el inventor del proceso de construcción de carreteras, de cuyo apellido deriva el término “macadam” que hace referencia al pavimento que cubre las calles y rutas. Dos objetos simbolizan a Pappo como ningún otro: las guitarras y los “fierros” (autos y motos) en los que recorrió miles de kilómetros de carreteras revestidas en macadam.

En noviembre de 1980 despidió Pappo's Blues y presentó su nueva banda: Riff. A pesar de que su primer disco fue bastante flojo y mal grabado, tuvieron éxito. "Riff cambió todo. La experiencia que agarré en Europa la volqué acá. Riff tenía la imagen perfecta. Nunca se habían visto antes camperas y ropas de cuero. Nos preocupábamos mucho por la imagen, las letras, los temas...", argumentaba Pappo.

A los pocos meses llegaría el segundo disco “Macadam 3, 2, 1, 0”, que muestra una banda sólida y afianzada donde el tema que le da nombre al álbum se destaca como una de las joyas. “'Macadam…' relata cosas que se pueden ver en un dibujo animado cibernético” explica Michel Peyronel su autor. Y agrega sobre la banda: “Riff es un grito de rebelión, porque si el rock no es rebelión, no es rock”.

Algo que caracterizó los conciertos de Riff en los comienzos de los '80, fue la violencia de sus fans, que rompían y volaban sillas por el aire, provocaban destrozos en los estadios y alrededores, y hasta llegaron a tomar una estación del tren Sarmiento y detener una locomotora, para demostrar ‘el aguante' de las huestes del metal. Lo cierto es que la banda transmitía cierto nivel de violencia usando cadenas y arengando a sus seguidores con frases como “Acá está lo peor de Buenos Aires”. Pappo se defendía: “Quería mostrar que este era un pueblo encadenado, sólo eso”.

Recordaba también ‘el Carpo': “En los ‘80, no sólo nosotros estábamos descontrolados. También lo estaban el país y la gente, milicos desapareciendo personas y todo eso. Riff apareció para darles caño a los milicos. A mí me desaparecieron (sic) un vecino, se lo llevaron con un auto negro y chau. Teníamos mucha bronca y por eso esas letras que hablan del apocalipsis, las máscaras de gas, etc.”.

El disco fue grabado en los estudios ION a fines del '81 y editado por la discográfica Tonodisc. Significó la consagración de Riff que pronto empezó a ser considerada por muchos medios como la mejor banda del país. Fueron pioneros en hablar de metal pesado en Argentina, y el nivel musical y la puesta en sus shows era impresionante. La guitarra y la personalidad de Norberto “Pappo” Napolitano hicieron el resto.

Ficha técnica:

Autores: Pappo - Michel Peyronel

Intérprete: Riff

Álbum: Macadam 3...2...1...0... (1981)

Formación: Pappo (guitarra y voz), Vitico (bajo y voz), Michel Peyronel (batería) y Boff Serafine (guitarra)

Duración: 4 min. 15 seg.

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Accept: “Volvimos en un mundo nuevo y de mucha incertidumbre”

Representantes indiscutidos de la escena heavy metal mundial de las últimas cuatro décadas, el quinteto alemán regresa a la Argentina para presentar "The Rise of Chaos", su disco más reciente.

Los primeros años de Accept no fueron justamente gloriosos. Su primer disco, el homónimo de 1979, fue pésimamente calificado por la crítica especializada de la época. “Vamos a ponerlo de esta manera: nuestra entrada al negocio de la música, como profesionales con un contrato y llegada mundial, comenzó en los 80. No me tomaría muy en serio nada de lo que pasó antes. Éramos un grupo de pibes sin imaginación, sin idea de lo que podía pasar”, se justifica Wolf Hoffmann, guitarrista y cofundador – junto a Udo Dirkschneider - del conjunto alemán, que suma 41 años arriba de los escenarios. “Tenía 16 años, Peter (Baltes) tenía 17. En esa época era un ‘¡Nosotros contra el mundo!', como le pasa a cualquier adolescente”, agrega.

Sin embargo, todo cambió pocos años más tarde, con la salida de “Balls to the wall”, trabajo fundamental de Accept: “Sin dudas, ‘Balls…' fue el quiebre definitivo para la banda. Lo que muchos vieron fue una superación, una amplitud en la composición”.

Desde 2009 –su regreso definitivo a los escenarios, luego de algunos años de idas y venidas–, ya sin Udo, al tándem Wolf Hoffmann/Peter Baltes, se suma el versátil vocalista norteamericano Mark Tornillo, consolidando un trípode que daría a la banda la solidez y aire que siempre habían soñado.

Tuvieron varias rupturas y muchos cambios de miembros ¿Cómo definís la etapa actual de Accept?

Wolf Hoffmann: Creo que fuimos afortunados. Si te fijás en la cantidad de bandas que cambiaron tanto de músicos en estas cuatro décadas, tan mal no nos fue. Creo que funcionó porque el corazón de la composición no cambió nunca. Sí, pasaron muchos músicos, pero a excepción de Stefan Kaufamn, que fue el tercer miembro del equipo compositivo al principio, la influencia principal sigue intacta y funcionando bastante bien.

Cuando escucharon a Mark Tornillo no lo podían creer, sintieron que era EL cantante para Accept ¿Cuál fue su aporte? Quiero decir, ya eran una banda importante...

W: Tuvo un impacto enorme, era lo que siempre habíamos soñado. Siempre comparo la relación de una banda con su vocalista con lo que pasa en un matrimonio: que una esposa no sea la ideal para uno, no quiere decir que sea una mala persona, simplemente la cosa no va, y puede haber miles de razones para un divorcio. Encontrar el compañero correcto es como ganar la lotería, y la mayoría de la gente camina toda su vida por este mundo sin haberlo hallado, así que encontrarlo es hermoso. Nunca tomo decisiones basadas en dinero o fama, lo que necesito es una vida plena, con propósito. Hay artistas que son infelices, al punto de solo sobreviven “adormecidos”, aun estando en el escenario, con los fans dando todo ¿Amargarnos, odiar, entristecernos? ¡de ninguna manera!

Desde la última reunión sacaron cuatro larga duración. El último, hasta ahora, es “The Rise of Chaos” ¿qué podés contarnos de este disco?

W: No lo llamaría “reunión”. Fue más bien un “regreso”, después de un descanso muuuy largo. Volvimos en un mundo nuevo, con parámetros muy distintos y mucha incertidumbre. Reconocemos los hechos, están ahí, todo ha cambiado y nada ha cambiado. Nuestra manera de hacer canciones y ser una banda no. Cuando dejamos los escenarios, estaba empezando el siglo de las computadoras. Con certeza, tenemos nuestros caballos de batalla, en un ambiente desconocido. Así que volvimos, sin soñar siquiera lo que ocurrió, pero con la idea clara de que cada uno mantuviese intacta su vida y carrera actuales. Y es lo que hicimos, cada uno tiene sus asuntos y lo tomamos en cuenta.

El nombre del disco va muy en línea con la realidad actual ¿Tiene algo que ver con eso?

W: Creo que el nombre es auto explicativo. Me genera curiosidad saber cómo reaccionarán nuestros fans y amigos. En la vida, en la política, en la historia, en todo tengo esperanza, creo que la bondad que hay en los humanos sobrevivirá.

Están en medio de la gira de “The Rise of Chaos” ¿cómo lo recibió el público?

W: Increíble ¡cantan las canciones nuevas como si las hubiesen conocido durante toda su vida!

Son conocidos por dar conciertos demoledores ¿A qué cosas le prestan atención cuando planean un show, qué cosas no son negociables?

W: ¡Potencia y entusiasmo! ¡Y más potencia!

Dentro de poco vuelven a la Argentina ¿cómo es su relación con el público local?

W: ¡La mejor! Amamos a nuestro público ¡son salvajes! No podemos esperar para estar de vuelta por allá ¡A rockear!

Accept se presenta el viernes 17 de noviembre en el Teatro de Flores (Av. Rivadavia 7806)

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Siamés: llegando al éxtasis musical

El mejor descubrimiento en lo que va del año es, sin dudas, la rítmica generosa y pegadiza de "Bounce into the Music", el álbum debut de una banda que tiene exceso de talento. Siamés es el nombre de un grupo de siete músicos locales con seguidores en todo el globo, especialmente en Estados Unidos e Inglaterra, ¿porque esto es así? Porque tienen el potencial para llegar cómodos a un mercado internacional. Los descubrimos en este entrevista, publicada originalmente por REVISTA G7.

Letras en inglés y ritmos crossover que nos introducen en un rock & electro pop con tintes de funk y la calidez de un soul que te eleva. Sus coros son un tema aparte, al escucharlos podemos flashear incluso con gospel, sin exagerar. Su música y su particular estilo los volvió un fenómeno en Youtube, con más de 19 millones de vistas, entre los comentarios todos coinciden en un punto “estos pibes van a ser muy famosos porque lo que hacen es tremendo”. El 2 de noviembre se presentarán por primera vez en La Trastienda Samsung para mostrar este álbum debut que viene arrasando en todo el mundo. Antes, charlamos con Mr. Blakk (piano, sintetizadores y coros) sobre la producción del álbum con Guillermo Porro, la alucinante e innovadora puesta de The Wolf, dirigida por Rudo Co. y Fer Suniga y, finalmente nos sumergimos en la música.

¿Cómo nace SIAMÉS y cuál es su ADN musical?

SIAMÉS es una banda que comenzamos con Guillermo Stöltzing (cantante), con la idea de disfrutar haciendo la música que nos gusta, un poco de indie, otro de rock y pop, y añadirle condimentos del soul, con el norte puesto en que sea moderno e internacional, soñando con lograr un reconocimiento mundial. En nuestro ADN tratamos de incorporar el aprendizaje que nos dan bandas como Gorillaz, Jungle, Arcade Fire, The Black Keys, Daft Punk.

Haber ganado el concurso Ballantine's True Sounds ¿representó un antes y un después en su vida musical? ¿Qué les permitió esto en su profesión?

Como toda banda nueva, buscábamos oportunidades para darnos a conocer, Ballantine´s se fijó en nosotros seleccionándonos como finalistas y esto nos dió la posibilidad de mostrarnos en vivo frente a personalidades de gran trayectoria en la industria, como Bobby Flores y Zeta Bosio. Recibir su voto y su apoyo fue muy importante, además ambos se nos acercaron a hablar, Bobby nos dijo que la banda estaba buenísima, que por si acaso no conocíamos su personalidad, no es de regalar halagos, y Zeta nos decía que, si bien es lindo recibir premios, nosotros teníamos que seguir siempre adelante porque la banda mata. Fueron palabras que nos hicieron sentir que íbamos por buen camino.

¿De dónde surge la inspiración y cómo fue grabar su primer disco “Bounce into the music” donde experimentan con sonidos desde el Rock, el Pop hasta el Soul?

La inspiración surge a veces de nuestros propios estados emocionales por los que transitamos, que son algo cambiantes… y otras veces las melodías simplemente nos visitan e interpretamos lo que la canción nos está queriendo decir.

La grabación del primer disco fue una experiencia mágica, nos pudimos dar el gusto de trabajar con otro amigo talentosísimo, Guillermo Porro, sabíamos que para alcanzar un resultado de audio internacional hacia falta un productor hifi y al tanto de la música mundial actual, que respetara nuestro tinte oscuro y/o melancólico y que pueda lograr que temas con influencias en diferentes estilos, convivan en un mismo disco y mantengan una coherencia. El mastering estuvo a cargo de Diego “Sr. Warrior” Crisálida (Puro Revolver Mastering) en quien Porro confiaba ciegamente, y no se equivocaba. Hicimos un equipazo y el resultado nos dejó completamente conforme a todos, y eso es algo difícil de lograr, se suele decir que “los discos no se terminan, se abandonan”, bueno, nosotros no lo abandonamos.

¿Porque sus canciones son inglés, piensan en un mercado internacional con ello, sienten que la gente conecta más con la música o el mensaje pesa también?

El mensaje pesa mucho para nosotros, siempre buscamos que las letras y la música potencien y acompañen ese mensaje, y al escribir las letras en inglés, existe la posibilidad que ese mensaje llegue a lugares jamás imaginados, si bien la mayoría de nuestros seguidores de Youtube actualmente son de Estados Unidos e Inglaterra, también nos mandan mensajes desde Rusia, India, Bulgaria, es fantástico hasta donde se puede llegar.

Tampoco pienso que seamos pioneros en esto de cantar en inglés, lo vienen haciendo muchas bandas de todo el mundo, actualmente en Francia está Daft Punk, Phoenix, Justice, y aquí mismo en Argentina hay proyectos como Octafonic, Maxi Trusso, Poncho, Shoot The Radio, y JMP entre otros.

Pienso que representamos a una generación de argentinos, que además de crecer escuchando a las grandes bandas y artistas nacionales como Soda, Los Abuelos, Sumo, Charly, Los Redondos, también dejaron marcas en nosotros bandas internacionales, quizás en su mayoría inglesas, como David Bowie, The Smiths, Depeche Mode, The Cure, The Beatles, The Rolling Stones y más. No es casual que hayan tantas bandas en inglés que llenan estadios en Argentina, y que no suceda lo mismo con bandas en francés, portugués, italiano, u otros idiomas, mucha gente en argentina consume música en inglés, y estamos en un momento de la escena en argentina, que está empezando a hacer las cosas bien.

En las redes sociales son un verdadero fenómeno, The Wolf tuvo más de 17 Millones de vistas en Youtube y más de 100 mil reproducciones en Spotify, como ven estos números, se transmiten en sus shows?

El video de The Wolf está llegando a los 19 Millones de vistas mientras hablamos (y probablemente sea más para cuando se publique esta nota), y la canción en Spotify ya tiene 2,5 Millones de reproducciones, es realmente impresionante! Nos sentimos muy agradecidos por la cantidad de mensajes de apoyo que recibimos desde el exterior y el interior del país. Lo estamos tomando con alegría y con calma, dando pasos firmes y siguiendo para adelante.

Siguiendo con su primer corte, The Wolf, su video tiene la particularidad de ser un anime, ¿cómo fue este proceso creativo y porqué eligieron este género? Por otro lado, ¿cómo dieron con Fer Suniga y cómo fue trabajar juntos?

Fer es un director muy talentoso amigo mío de hace muchos años, ya habíamos trabajado juntos anteriormente, y se le ocurrió la idea de involucrar al estudio de animación RUDO (Eze y Pol), que resultaron tener un talento inmenso también, a los 3 les gusta el anime y se mandaron en esa. Estuvieron dibujando y animando como 7 meses hasta que subimos el video a Youtube, a las pocas semanas la plataforma empezó a recomendárselo orgánicamente a los usuarios y desde entonces no hay un segundo en donde no esté siendo visto.

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Sevelhumano: “Este disco es un poco menos crudo y más prolijo”

El conjunto de Luján Sevelhumano lanzó su segundo álbum, "Pictónico", con diez canciones que muestran su evolución en el rock durante una década de formación.

En este tiempo hemos evolucionado en varios aspectos, tratamos de hacer las cosas de manera más profesional, tanto arriba como abajo del escenario –afirma el guitarrista Matías Tregoning-. Hay muchas cosas que atacar en simultáneo y cuesta hacerlo de manera independiente, pero por suerte hay muchos amigos y familiares que se suman aportando lo suyo para que Sevelhumano pueda seguir creciendo”.

Formados en Luján en 2007, la banda hoy se completa con Juan Ambiela (voz y guitarra), Emanuel Granatti (bajo) y José Ambiela (batería). Su álbum debut, “La era de las máquinas”, lo editaron en 2013; y cuatro años después presentan su sucesor.

Matías señala que, al igual que cuando grabaron el primer disco, en este flamante “Pictónico” quisieron mostrar el momento por el que estaba pasando la banda, retratar en canciones una foto que representara lo que sucedía en la sala de ensayo, y agrega: “La mayor diferencia estuvo en el proceso de grabación, ya que esta vez trabajamos con un productor, Lucas Gómez. ‘La era de las máquinas' lo grabamos nosotros de manera integral. Juan, nuestro cantante, es técnico de grabación, y su estudio es también el lugar donde ensayamos y grabamos. De la combinación del trabajo de Lucas con las canciones que compusimos, surgieron nuevas ideas y sonidos. Este disco es un poco menos crudo y más prolijo, con los sonidos dándose más lugar entre sí, logrando más claridad”.

¿Qué cosas del primer álbum conservaron para volcar en este segundo material?

Nos gusta que la música tenga fuerza, empuje. Por eso buscamos hacer más prolijo el sonido, pero sin perder esos factores. Mantuvimos en gran medida las melodías rockeras en los riffs y las líneas de voz. También le damos muchísima importancia a las letras. Ya para el primer disco las habíamos trabajado entre los cuatro y para “Pictónico” conservamos esa forma de crearlas, incluso siendo más minuciosos en las correcciones y detalles.

Llevan una década de formación, ¿qué balance hacen de estos 10 años y qué anhelos les quedan por cumplir?

El balance es muy positivo. Hace rato que entendimos que las cosas se logran de a poco y que hacemos música principalmente porque es lo que más nos gusta hacer, y lo disfrutamos muchísimo. Todo progreso y crecimiento es bienvenido y suma mucho para mantener las ganas de seguir en este camino. Anhelos por cumplir siempre hay. A medida que alcanzamos objetivos, aparecen nuevos. Lo que más satisfacción da es llegar cada vez a una cantidad mayor de gente para poder seguir grabando discos y hacer shows cada vez mejores.

Sevelhumano se presentará el sábado 4 de noviembre, a las 23.30, en La Esquina del Infinito Bar. 9 de julio 1600, Concepción del Uruguay, Entre Ríos.

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Programa 233

Un nuevo encuentro de Rock.com.ar en esta cadena nacional del rock argentino. Son dos horas de diversidad, de autogestión y, sobretodo, de creatividad. Más música, menos palabras y mucha independencia.

Detalles

Bloque 1
Apertura: "Mil pasos", Sueño de pescado
"Garantizame", Nahuel Briones
Los comienzos de La Renga
Entrevista: De Trueno
"Pregunté por vos", Lucas Finocchi con Mariel Barreña
Piratas redondos: "Mariposa pontiac", Demos RCA

Bloque 2
Picando discos: "Atrapando rayos", Alto Camet
"Pavo real energético", Indigo Félix
Esenciales: "Sólo quiero rock and roll", La Torre

Bloque 3
Picando discos: "No es privado", Viva Elástico
"Sopa de alambre", Acorazado Potemkin
"Lucidez", Indios
El momento de Luis: "Algo flota en la laguna", Pescado Rabioso

Bloque 4
Archivo: Los Violadores en Bali
"Interestelar", La Teoría del Caos
"Un plan distinto", Roma
Cierre: "Outstanding", Willy Crook

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Esenciales: “La gente del futuro”

Un inesperado hit del año '81. Miguel Cantilo lideró Punch, y pese al rechazo inicial, logró imponer esta canción del segundo disco: "La gente del futuro".

Olivos, Buenos Aires, año 1981

Miguel Cantilo es uno de los músicos más contestatarios del rock nacional de principios de los ‘70. Con su dúo “Pedro y Pablo” junto a Jorge Durietz, escribe canciones como “La marcha de la bronca” o “Apremios ilegales” de fuerte crítica al gobierno de turno, o “Catalina Bahía” con una connotación sexual que en ese momento escandalizaba a las mentes obtusas de las autoridades, especialmente a las eclesiásticas, y que fue censurada por pornográfica.

Esta actitud le significó entrar en listas negras, quedarse sin trabajo y decidir un exilio obligado, pocos meses antes del comienzo del Proceso de Reorganización Nacional. Primero emigró a Colombia y finalmente recaló en España, donde rápidamente formó el grupo “Punch”. Luego de casi dos años de tocar en España, se edita un demo con sus canciones en Argentina, el músico regresa al país con su grupo, y empiezan a presentarse en lugares chicos, con poca aceptación por parte del público. “Punch” venía con una onda new wave ‘importada' de Inglaterra, que era desconocida en nuestro país y no fue bien recibida. La gente esperaba de Cantilo, la canción de protesta y una música más folk.

“Empezamos a tocar en lugares chicos para ir metiéndonos en el público de acá, pero la gente reaccionó ásperamente con nosotros, un poco por la música que hacíamos y otro poco por nuestra apariencia: tal vez nos confundían con una especie de conchetitos”, recuerda el guitarrista Enrique Gornatti.

Una tarde, Miguel está en la plaza de Olivos donde diariamente lleva a jugar a sus hijos y aprovecha para escribir, ya que no es fácil encontrar tranquilidad en su departamento con cuatro niños: “La letra completa de ‘La gente del futuro' recuerdo haberla escrito en la plaza y luego terminé de corregirla en mi casa. En esos tiempos yo escribía las letras en unos cuadernos enormes de contabilidad, entre las columnas del debe y del haber, pues me resultaban muy cómodos para apoyar, sentado en cualquier banco de plaza. Eran mi escritorio itinerante”.

Alguno de aquellos viejos cuadernos de contabilidad, conserva partes de la letra que quedaron afuera: “Y dónde están ahora los existencialistas, se ahogaron en su charla y en sus humos de pipa. Y dónde están ahora todos los surrealistas, dormidos en su sueño de geniales artistas. Y en esta ciudad, quién roba la paz, y el aire de los barrios de unos años atrás?”.

La canción abre el disco “En la jungla”, segundo y último de “Punch”, que se grabó en 1981. La discográfica Zazam Records tuvo fuertes presiones de parte de jerarcas militares para no publicarlo, sin embargo se editó y lo presentaron oficialmente el 3 de julio en el Auditorio Buenos Aires. Para entonces Cantilo había vuelto a formar ‘Pedro y Pablo', y Punch funcionaba como banda de apoyo del dúo. Los repertorios se mezclaron y eso ayudó a que las canciones de la banda formada en España fueran aceptadas por el público argentino.

Pero sería recién en 1982 cuando el grupo alcanza popularidad y empieza a ser aceptado. Paradójicamente, cuando eso sucedió, el grupo se disolvió y Miguel Cantilo siguió presentándose junto a Durietz, como Pedro y Pablo. “La gente del futuro” fue uno de sus hits.

Ficha técnica:

Autor: Miguel Cantilo

Intérprete: Cantilo y Punch

Músicos: Miguel Cantilo (voz, guitarra), Morci Requena (bajo), Enrique Gornatti (guitarra), Fernando Huici (teclados) e Isa Portugueis (batería).

Álbum: En la jungla (1981)

Duración: 4 min. 54 seg.

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Viralisados: un espectáculo audiovisual, repaso de la primera etapa de Virus

Mario Serra, baterista original de Virus, se une a Federico Moura (sobrino) para formar Viralisados, el grupo que nos llevará de viaje a los 80 recorriendo todos los éxitos de la banda icono del pop nacional y celebrando los 30 años del lanzamiento de "Superficies de placer", el séptimo disco de la banda argentina, grabado en Río de Janeiro y mezclado en Nueva York en 1987.

Viralisados se presentará el sábado 4 de noviembre nuevamente en el ND Teatro, tras haber agotado funciones el pasado 4 de junio. El evento contará con participaciones especiales y será un show a todo color que nos traerá de vuelta las canciones de Virus, que hoy son una marca en la historia del rock argentino.

Viralisados no es ni un homenaje ni un tributo. ¿Cómo definirían a la banda? ¿Se puede hablar de una “recreación”?

Federico: Yo definiría a Viralisados como un espectáculo audiovisual, donde se repasa la primera etapa de Virus (8 discos), en los cuales participó Mario Serra como baterista. La interpretación de los temas es casi exacta, respetando a la original, en su tonalidad y arreglos. En la parte visual se proyectan artes de tapas y fotos de Virus.

Además de ser muy parecido a tu tío, tenés el mismo tono de voz ¿Qué tanto peso tiene llamarte “Federico Moura”? ¿Eso influyó en tu decisión de ser músico?

F: Yo no me veo muy parecido (risas). En cuanto a la voz, sería el registro vocal. Al tener un registro vocal amplio, tanto para agudos como para graves, me permite no tener que cambiarle la tonalidad original de los temas. Por otro lado, está el timbre de voz. Dicen los escuchas que, en algunos pasajes de la interpretación, es bastante parecido. El peso de mi nombre puede ser molesto a la hora de las comparaciones musicales. Mi tío era único y yo no pretendo imitarlo ni ocupar un lugar que no me corresponde. Sólo estoy haciendo una interpretación de su obra. En cuanto a la decisión de ser músico, no fue por el nombre: fue por una casualidad que, en mi casa, había una guitarra criolla que era de mi tío Pancho (primer sonidista de Virus), hermano de mi vieja. ¡Estaba rodeado de virus! (risas). Todo empezó como un juego de sacar canciones de las revistitas Toco y Canto y Cantarock.

¿Cuál fue tu primer acercamiento a Virus?

F: Mi primer acercamiento fue en un picnicrock (creo que se llamaba así) en el country club de Estudiantes de la Plata. Tocaban muchas bandas y yo estaba en el mangrullo de sonido con mi tío Pancho, que operaba el sonido de Virus. Tendría 10 u 11 años.

¿Hay alguna anécdota que tengan junto a los hermanos Moura de cuando eras chico?

F: ¡No sé si entraría en anécdota, pero para mí lo fue! Año 87, yo 16 años. Voy a visitar a Julio a la casa y me dice "tengo ensayo. Estamos por presentar 'Superficies de placer', ¿Me acompañás?" Dale. Llegamos al lugar, todos los músicos listos, pero Federico no llegaba. Esperan un rato más, hasta que avisa que no iba a ir. Arrancan sin la voz, hacen dos temas y cuando van a arrancar el tercero, Quique Mugetti me mira y me dice... "Fede... vos te sabés los temas, ¿no?" Prepara un pie de micrófono y me dice "vení... cantá, así tenemos la referencia de la voz". Bueno, se imaginarán lo que sigue... De todos modos, yo hacía muy poco que incursionaba en lo musical, así que no debe haber sido muy bueno lo mío (más risas).

¿Cómo surgió la idea de crear Viralisados?

F: Viralisados surge de la idea de nuestro productor. Quería a toda costa volver a escuchar a Mario Serra, tocar los temas de Virus. A Mario le gustó la idea, pero no le cerraba por ningún lado la parte vocal, hasta que se acordó de mí. No por lo que canté en aquél ensayo, por supuesto!. En los '90s tuvimos un acercamiento con Mario y mi banda (Narcisos) nos hizo una pequeña producción. Así le cerró definitivamente el proyecto.

Le han dedicado una canción a tu tío: “Inolvidable”, donde colaboraste con la letra. ¿En qué te inspiraste a la hora de escribir?

F: La idea y composición es de Jorge Lezcano, nuestro productor y guitarrista. El me dejó meter una pincelada en la letra y, básicamente, mi aporte fue destacarlo a Federico como un ser eterno y siempre brillante, por lo que fue como artista y como persona. Y desde el deseo de tenerlo al menos un segundo, la frase “sólo te pido que abras la puerta una vez para mí y abrazarte en mi sueño y decirte que siempre serás inolvidable”.

El fanático siempre es muy exigente y a veces cuesta asimilar las nuevas proyecciones de la banda que tanto gusta, en el caso de ustedes. ¿Cómo es la respuesta del fiel público de Virus?

F: Bueno, tuvimos una de cal y una de arena. Está el fanático que opina que Virus son solo los hermanos Moura y no aceptan este proyecto y creen que queremos ganar ese terreno con Viralisados y están los que valoran a Virus como banda y se acercan para disfrutar de este espectáculo, que no es más que una interpretación de un ex Virus.

Tras agotar su show anterior en el ND Teatro, ¿de qué manera se preparan para la fecha del 4 de noviembre?

F: Estamos ensayando mucho para el próximo ND y agregando más temas del disco “Superficies de placer”, del cual se cumplen 30 años de su lanzamiento y le dedicaremos un bloque. Tendremos como invitado a cantar un par de temas a Alfredo Pería, ex limbo y Mimilocos.

¿Qué planes tienen en agenda para lo que queda del año, y qué pueden adelantar del 2018?

F: Lo que queda es el 4 de noviembre en el ND, hay algo grande dando vueltas pero no está confirmado y en 2018 está la idea de redoblar la apuesta e ir por un teatro más grande.

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Infusión Kamachuí: “Viajar y compartir fortalece y revitaliza al grupo”

Con la gira “Cruzar”, el conjunto santafesino Infusión Kamachuí recorre el Litoral Argentino con su álbum debut, "Espesura", bajo el brazo.

De cada lugar nos llevamos postales, historias, detalles a los cuales prestamos atención –relata el guitarrista Esteban Lagger-. Viajar y compartir fortalece y revitaliza al grupo, que es algo muy importante. Realizar una gira es algo que insume un esfuerzo grande, así que siempre hay mucha satisfacción cuando ves que pudiste concretarla y que encima genera buenos frutos para tu música”.

Infusión Kamachuí es una banda santafesina que desde hace algunos años recorre distintos escenarios llevando su amplio abanico musical y que hoy confluye en un sonido propio. Las canciones del conjunto que se completa con Pablo Ignacio Ferreira (voz), Carlos Bechi (guitarra), Iván Wolkovicz (bajo) y Luciano Dato (batería) juegan con los límites y la continuidad entre influencias muy distintas que pasan por el rock, el folklore, el jazz y la música progresiva. “La poesía y otras formas de arte tienen mucha relevancia en lo que hacemos. Infusión es una invitación a entrelazar sonidos, palabras e imágenes”, afirma el violero.

A casi un año del lanzamiento de “Espesura”, ¿qué satisfacciones les trajo este disco?

Lo vivimos como una pieza clave en nuestro camino. El proceso de “Espesura” fue una motivadora combinación de hallazgos y sorpresas que se dieron como las esperábamos. Sigue captando la atención de esas personas expectantes de nueva música, de encontrarse con un sonido novedoso, que disfrutan de los detalles, que se relacionan con el trabajo de diseño, las letras, las artes plásticas. Nos pone muy contentos cuando alguien comienza a desentramar lo que hay dentro de “Espesura”. Todavía hay todo un remolino donde nuestro disco se escucha, se comparte, se recomienda. Cada cosa que pasa genera réplicas y nos da la seguridad de que tiene aún varios caminos para recorrer.

En tiempos donde todo es más inmediato y se busca generar contenido para mostrar constantemente, ¿piensan ya en nuevo material?

Si bien es algo totalmente cierto, nos resultaría muy difícil equiparar el tiempo creativo con los tiempos de consumo. Nuestro proceso compositivo es complejo, se nutre de diferentes fuentes y tiene mucho ida y vuelta entre nosotros. Obviamente es muy importante tener estrategias respecto a cómo mostrar lo que hacés y constantemente vemos cómo mejorar en ese sentido. Por ahora tenemos algunas canciones e ideas sueltas que ya encontrarán el momento para madurar.

¿Qué los motiva al momento de girar?

Compartir con la gente esa otra cara de Infusión Kamachuí que es el vivo. Entran en juego otras cosas y además nos pusimos como objetivo llevar el show completo a donde sea que vayamos, incluyendo nuestro trabajo de escenografía, vestuario y luces. Cada lugar tiene su paisaje, sus aromas, su diversidad. Recibís devoluciones de personas que ya te conocían y de otras que por casualidad se toparon con tu show y se emocionaron. Todo eso te renueva la energía.

¿Este viaje por el Litoral los inspira en algo para componer nuevas canciones?

Para ponerte un ejemplo, hace unas semanas tocamos en el Festival de la Primavera en San Javier, donde hace rato queríamos tocar por la importancia que tiene para la región.

Hubo más o menos 2500 personas. Familias enteras con el mate, niños que jugaban y cada tanto se quedaban mirando el escenario, los jóvenes atentos a cada grupo que pasó, los paisanos con su vestimenta típica. Un público tremendamente diverso al aire libre, con el río de fondo y una temperatura ideal. Es un contexto que no tiene nada que ver a cuando tocamos de locales. ¡Seguramente algo de todo esto se va a filtrar en nuevas canciones!

Foto: Julieta Oberlin

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