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Kimé presenta "Fluir" en The Roxy

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La Renga: desestigmatizar el rock demoró diez años

Chizzo, Tete, Tanque y compañía volvieron a CABA después de casi diez años. Cómo se llegó, el tira y afloje con el Gobierno de la Ciudad, la organización, el público y lo importante: la música.

“Bájense del alambrado, no queremos que nadie venga a romper las bolas”, pedía Chizzo promediando el show. Si un recital de rock nacional es descontrol, irresponsabilidad y desorganización, de repente La Renga se convirtió en un trío de pop. El último sábado, con el estadio de Huracán colmado, los de Mataderos volvieron a pisar Capital Federal, a diez años de su última presentación en el Autódromo de Villa Lugano.

La solicitud, la incapacidad de los funcionarios, la seguridad y la habilitación

En mayo empezaron los rumores. ¿La renga volvía a tocar en Capital? Al principio, parecía que sí, después que no, otra vez que sí y al final la Policía de la ciudad junto a la Agencia Gubernamental de Control daban un no como decisión “final” por no poder proveer la seguridad necesaria para el evento, al no poder llevar a cabo la tarea de combatir “venta de estupefacientes y alcohol por falta de controles, fiscalización de venta de entradas y trapitos”, como contaba José Palazzo –uno de los productores del concierto- en su cuenta de Twitter. La habilitación fue firmada a principios de junio, con una capacidad final de 38660 espectadores, diferencia de 6140 personas con respecto a la solicitada inicialmente de 45000. Con doce ambulancias con cuatro médicos cada una, 350 vigiladores homologados, 103 socorristas a cargo de Cruz Roja y dos autobombas adicionales, parecía que la seguridad estaba dada para que La Renga vuelva a Capital. “Salgan tranquilos y […] mañana cuando coman los fideos, cuenten lo bueno que estuvo el show” pidió Chizzo terminando el show.

El detalle: Pocas banderas, en el primer cacheo se escuchaba a la seguridad al grito de “No pasan banderas”, a pesar de que se había anunciado de que con el permiso y medidas reglamentarias podían pasar.

La organización

Cargarse al hombro la vuelta de La renga a Capital estuvo a cargo de Rock & Reggae y José Palazzo. Hicieron de la seguridad uno de los pilares fundamentales de la fecha con un total de cuatro cacheos, dónde primero se mostraba el ticket junto a su calco, luego se cortaba, posterior un cacheo corporal y finalmente una lectora de tickets en la puerta del estadio. Un sonido sin fallas con dos filas de diecinueve cajas de sonido a los costados del escenario. La infraestructura del escenario fue presentada como en cualquier show de la banda, sin dejar ver la parte trasera de las tablas que daban a las tribunas. Escenografía con una alfombra que desde arriba eran edificios en punto de fuga, telones que cambiaron en reiteradas ocasiones y se proyectaban visuales, además de cuatro pantallas laterales dónde se transmitía en directo, al igual que videos históricos de la banda.

El detalle: ¿Era necesario sacar de prepo lapiceras, encendedores y llaveros? ¿Seguridad o extrema paranoia?

Con huevo vaya al frente, que se lo pide toda la gente

Y el día llegó. Con Veteranos del pánico y La Carga abriendo el concierto, la vuelta histórica sucedió. Con familias y grupos de amigos tanto en platea como en campo, Sergio (37) contó que llegó junto a su hija Morena (9) -a quién tenía a upa en el campo- desde Moreno, al igual que Araceli (23) y Facundo (24), una pareja que llegó de Glew en micro.

Los shows del trío de Mataderos llegan en medio de la gira de Pesados Vestigios, la última placa de estudio. Sin embargo, conscientes del contexto y de que sería la primera vez para muchos, decidieron abrir con dos temas– Corazón fugitivo, Nómades- para tener un total de cuatro canciones de PV y otras 2 de su antecesor, Algún Rayo, siendo Despedazado por mil partes, La esquina del infinito y La renga, los discos determinantes a la hora de armar el setlist de esta primera fecha, ocupando en total más de la mitad del show. Con gestos particulares como la dedicatoria de canciones a Victor Poleri (amigo fallecido de la banda), a Ligüel (hijo de Tete y ahijado de Chizzo), ambos por cumpleaños y a Miguel Ramirez, quién fuera víctima de una bengala en el concierto que la banda dio en 2011 en el Autódromo de La Plata. y otros momentos como el coro de vientos con Manu y su armónica al frente. Más de dos horas y media, con un solo parate antes de los bises con Ser yo, Reíte, El viento que todo empuja y el cierre clásico con Hablando de la libertad.

El detalle: El show arrancó 21:29hs puntual. 00:07 la desconcentración comenzaba y según José Palazzo en 17 minutos el publico había salido por completo del estadio.

Fotos: Mica Villalobos

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Animals as Leaders en Groove: la danza cerebral

La banda estadounidense de metal progresivo instrumental se presentó por primera vez en Argentina. La excusa: presentar “The madness of many”, su cuarto disco de estudio.

Una aplanadora. Esa es la palabra que resume, a la perfección, el show que Animals as Leaders dio en Groove. Te llevan puesto, te pasan por arriba con lo contundente de su sonido, con lo implacable de su marcha. Además, son como máquinas. A priori, esto puede tener dos lecturas, ni buenas ni malas: una que sugiere una repetición minuciosa y sistemática de patrones, en este caso sonoros, con énfasis en la técnica. Y otra: que son tres entes inhumanos, en tanto trascienden los límites de la imperfecta humanidad. Acá pasa un poco de las dos cosas.

El trío fundado por el guitarrista Tosin Abasi, y completado por el también guitarrista Javier Reyes y el pulpo baterista Matt Gartska es, en principio, una excelente oda a la técnica y al estudio en profundidad del instrumento, a tal punto que sus guitarras – de 8 cuerdas, las más graves gruesísimas – pueden, por ejemplo, sonar como bajos slapeados. Básicamente porque, sí, las están slapeando. Y ver cosas como esas es una verdadera delicia. Paradójicamente, esta banda - formalmente sin bajista – suena más llena sonoramente, más “patada en el pecho”, que muchas otras de formación tradicional. Pero nada más. Lo espectacular, lo increíble de tener adelante a los Animals as Leaders se queda ahí, en el espectáculo de lo extremo, del empujar la ejecución más allá de los márgenes de lo posible. Tocan el cerebro, pero no el corazón. Música analítica, racional que, irónicamente, rompe, destroza los bordes de cualquiera racionalidad posible.

Y ellos, de alguna manera, lo blanquean: abren su primer show en nuestro país con “Arithmophobia”, “Ectogenesis” y “Cognitive distortion”. Lo técnico, lo maquinal, el conflicto racional-irracional, respectivamente, son temáticas puestas sobre la mesa en el mismo contenido de las composiciones. Lo que escasea son emociones, de las profundas, esas que ponen la piel de gallina. En cambio, tenemos piezas violentas, demoledoras, pujantes, aplastantes, exquisitamente ejecutadas. Que no es poco.

Pasan entonces la exiliada “Wave of Babies” (probablemente nacidos por ectogénesis), “Do not gently”, “Tooth and claw” y, en la exacta mitad del show, la única que matizará un poco con algo de afectuosa, aunque breve, melodía: “Nephele”.

Aunque apenas habla, por su continua sonrisa sabemos que Tosin está pasándola bomba. Es un goce obsesivo, el placer del pensar. Y, claro, esta sonrisa se contagia a los fanáticos que, contra el prejuicio de muchos, colman la enorme sala. Tosin apenas dice “gracias” un par de veces, pero, sin embargo, el agradecimiento se le ve en los ojos. Otra ironía: una mirada y una sonrisa desbordantes de afecto hacia quienes, a pocos metros, no sin razón, lo idolatran.

La segunda parte de la noche seguirá en la misma tónica: “Tempting time”, “Ka$cade”, “Physical education”, “Inner Assasins”, la brevemente acústica “The brain dance” y “The woven web” para el amague al final que no es final.

Para el bis, el primero que reaparece es Javier Reyes: “¡¿Cómo están, ¡¿Buenos Aires?!”. Ovación, y continúa: “¿Quieren una más? ¿Cuál quieren? ¿Despacito?”. El paso de comedia es secundado por Matt Gartska, que, ya en su banquito, da rienda suelta al ritmo reggaetonero. Risas. Entonces, Tosin vuelve al escenario, y habla, más allá del “gracias”, por primera vez en la noche: “Por esto nunca le dejamos el micrófono”. Risas, y sigue: “Es la primera vez que tocamos en esta ciudad, y no puedo creer lo fantásticos que son”, e inmediatamente, con esa inmensa y contagiosa sonrisa en la cara, anuncia lo inevitable: “Tenemos una canción más, pero esperamos volver pronto”. Entonces, suena “CAFO”.

Y ahora sí, con el público maravillado y mientras los tres niños prodigios del metal instrumental dejan el escenario, suena Despacito.

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Lolo, así de simple

Lolo Fuentes (ex Miranda) presentó el viernes pasado su debut solista en La Tangente. Su disco homónimo “Lolo” vio la luz recientemente en Spotify y en otras plataformas digitales y fue tocado por primavera vez en vivo acompañado por varios artistas de la escena local.

La Tangente es el nuevo espacio para ver bandas, en el corazón de Palermo, que recibe como una noche estrellada. Un DJ calentó el espacio y luego, bajo la luz planetaria, Lolo Fuentes vuelve a nacer con su nuevo disco, el día de su cumpleaños. Lo primero que podemos destacar es lo impecable de la voz, se entienden todas las letras. Para el que no las conoce es la oportunidad de empezar a familiarizarse y divertirse con ellas. El disco tocado en vivo y el de estudio tienen ligeras diferencias de capas de sonido, es mucho más rockero de lo que podemos esperar, y en vivo más aún. Es elegante y pop, bailable, dulce e intenso.

En la segunda canción acompaña Leandro Viernes y se queda en un par de temas. Además de la lista del disco hacen 3 covers, la melancólica “Eco” de Leo García, la onírica “Vuelta por el Universo” de Cerati-Melero y la potente “1989” de Sumo, muy dignas las tres y que incluyó agradecimientos a cada compositor.

“El Velo de tu disfráz” fue el tema de apertura, que recuerda a la Voz Humana de Cocteau, esperando ese llamado, que tal vez sea el último, y cayendo a la música como único refugio. Luego siguió “A Callar” donde se apoya más en la electrónica. Siguió “Desaniñada” que en vivo suena más como un hit turfero, que en el disco, con un estribillo inspirado en la despeinada de Palito Ortega, donde el amor fraterno falló, y se escucha el reclamo. Más adelante “Amar Tonto” que no está en el disco. La Kobra Kei, Blancanieves, a tocar “Artificio” y los dos se amalgaman en el escenario, cantando y bailando. Cierra el set “Ultracomunicación” sin duda el hit del disco, un tema bailable, pop en clave moderna.

Antes del bis, aparecen varias tortas de cumpleaños y se canta al agasajado, entre los invitados está Joaquín Levington, Bruno De Vicente, Dani Umpi, entre otros. Lolo agradece y se despide con “Fuego”.

Lista de temas

  • El Velo de Tu Disfraz
  • A Callar
  • Desaniñada
  • Eco
  • Actuar Tonto
  • 1989
  • Luna en Capricornio
  • Vuelta por el Universo
  • Nubosidad Variable
  • Imágenes Paganas
  • Artificio
  • Ultracomunicación
  • Fuego
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    Riddim recuerda a Sumo con un show único

    Será el 19 de agosto, en La Trastienda. Estas son las claves que lo hacen imperdible.

    “¿Querés escuchar más reggae? Entonces armá una banda”, le dijo Luca Prodan a Pety en 1986. Tan fuerte fue esa frase, que años después fundó Riddim. Ahora, el grupo encara uno de sus mayores desafíos: rendirle tributo a Sumo. Será por única vez, el sábado 19 de agosto a las 23.30hs en La Trastienda (Balcarce 460, Capital Federal).

    “En los ‘80, los fui a ver a todos lados -explica Pety-. Gracias a Sumo, conocí el conurbano. Muchos grupos sonaban excelente en vivo, pero desde que los encontré, me enfoqué solamente en ellos”. El único problema era que Pety era menor de edad. “Entonces, mis amigos tenían que pedirle permiso a mis viejos”, agrega.

    Entre los mejores recuerdos del cantante, está la vez que Luca Prodan le pidió que armara la lista de temas del último show de Sumo... sólo dos días antes de su muerte. “Gracias a Ricardo Mollo y a Diego Arnedo, esa vez pude entrar como si hubiera sido un plomo”, añade el vocalista de Riddim.

    Treinta años después de aquella noche -y con casi diez discos y DVD's-, Riddim se posicionó como una de las bandas más importantes del reggae latinoamericano. Durante el homenaje habrá más de una sorpresa... ¡y no faltarán los clásicos de Riddim!

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    Esenciales: “De regreso Mirta”

    Juan Carlos Baglietto encabezó el Rosariazo, allá por comienzos de los ‘80s, junto a Rubén Goldín, Jorge Fandermole, Silvina Garré y Fito Páez. De su primer disco, compuesta por Adrián Abonizio, llega "Mirta, de regreso".

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    Rosario, años 1976 a 1981

    Adrián Abonizio, el autor de esta canción, formó parte de la Trova Rosarina encabezada por Juan Carlos Baglietto, que desembarcó en Buenos Aires a fines del 81, con un puñado de canciones que se metieron en la historia del rock nacional. Antes de eso, Adrián ya componía sus primeras canciones, con una gran influencia del tango y el folklore, y las mostraba en reductos como el Café de la Flor, donde se reunía con otros músicos como el propio Baglietto, Rubén Goldín, Silvina Garré, Lalo de los Santos y Fito Páez.

    La canción habla de un hombre que cae preso por robar y vuelve a su casa después de “3 años a la sombra” encontrando a su mujer con otro hombre. Adrián la escribió en Rosario a los 20 años. Recuerda: “yo era un tipo con mucha bronca, vivía enojado con el mundo y lo único que me quedaba era escribir canciones”.

    “Mirta…” fue la primera canción interpretada por Baglietto que caló hondo en el público. Antes de que salga el disco, en el Festival de La Falda realizado en febrero del 82, la gente ya sabía de memoria la letra de la canción. Y tenía elementos que resultaban muy oportunos para la época como la frase “me recibió el frío de un nuevo gobierno” en momentos en que se pedía a gritos la salida de los militares del gobierno.

    Por el momento político que se vivía, algunos le encontraron otros significados. Decía Baglietto: “como estaba todo tan convulsionado y todo pretendía decir otra cosa, algunos pensaban que la canción hablaba de un preso político, cuando en realidad era la historia de un chorro que vuelve a su casa y se encuentra con otra realidad porque la mujer no lo esperó y cambió todo”.

    En abril de 1982 sale a la venta “Tiempos Difíciles”, primer disco de Baglietto, y en un mes vende 30.000 copias, cifra que era impensada en ese momento. La primera canción y sin dudas la que más representaba el disco, es precisamente “Mirta, de regreso”, sin dudas un himno de la época.

    Ficha técnica:

    Autor: Adrián Abonizio

    Intérprete: Juan Carlos Baglietto

    Álbum: Tiempos Difíciles (1982)

    Formación: Silvina Garré (coros), Rubén Goldín (guitarra), Sergio Sainz (bajo), Fito Páez (teclados) y Zappo Aguilera (batería)

    Duración: 4 min. 35 seg.

    Fecha de edición: Abril de 1982

    Editado por EMI Odeón

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    Patones exterioriza sus asuntos internos

    El conjunto santiagueño de punk rock con más de una década y media de formación lanzó el año pasado en formato digital su segundo álbum, "Asuntos internos".

    Refiere a temas básicamente personales, expresados en las letras de las canciones, por eso que elegimos ese nombre para el disco -afirma Sergio Coronel, voz y guitarra-. Son letras que acompañan el proceso madurativo como individuos. Comparativamente al primer disco, donde se plasmaban emociones más adolescentes, las letras de este refieren a otras vivencias que puede tener cualquier mortal treintañero”.

    El frontman del conjunto remarca que Patones le canta a las dificultades existenciales, a los problemas laborales, amorosos, psicológicos, pero siempre desde una mirada reivindicativa y no catastrófica. Los inconvenientes que enumera Sergio a cualquiera le resultarían usuales, pero toda banda fuera de la provincia de Buenos Aires sabe que el camino para llegar a la mayor cantidad de lugares posibles de la Argentina con la música es cuesta arriba, lo que a veces lleva a abandonar los sueños rápidamente, y que sostener el trabajo de un grupo durante 15 años no es nada fácil.

    Creemos que Internet es una herramienta de gran alcance territorial, incluso potencialmente a otros países –señala-. El disco aún no se encuentra en su formato físico y ha tenido una buena repercusión, ya sea por visitas de público como de recepción de medios radiales, no solo de Santiago del Estero, planteando incluso la duda de si hacer ese formato material o no. Pasar por Buenos Aires permite el compartir escenario físicamente con bandas con más trayectoria o incluso de otras provincias o países como el caso de Punkzer de Uruguay”.

    A Sergio lo acompaña Marcelo Ponce en guitarra, Carlos Trejo en bajo y José Fernández en batería. Las influencias del conjunto van por el punk inglés y estadounidense de los 70 y las bandas punk Argentinas de los 80 y 90.

    ¿Cómo es la movida punk rock en Santiago del Estero?

    Retratar la situación del punk rock y de géneros que no corresponden al folklore, no es muy alentadora. Sin embargo, poder relatar la situación ayuda a detectar los límites externos para poder hacerlos conocer y también que se reconozca el esfuerzo de las bandas de rock y punk en general. Las dificultades a la vez hacen que las bandas de esta movida, sean más solidarias entre sí. La falta de lugares para tocar o los medios donde difundir, generan una red donde se colabora para darnos espacios a cada banda.

    Patones se presentará el domingo 30 de julio, desde las 15, en el Festival Rock & Folk en la Plaza Añoranzas en Santiago del Estero.

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    Programa 220

    Dos grandes discos en el programa de hoy: Jeites y Cabezones. Entrevista a Gansos Rusos, Los Sedantes, Antagonistas y un show inédito de Fito con Charly y Gustavo Cerati.

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    Detalles

    Bloque 1

    Apertura: "Palestina", Puel Kona

    "El fuego en mis manos", Rolando Motta

    Los Fabulosos Cadillacs, premiados en Estados Unidos

    Entrevista a Gansos Rusos

    Piratas redondos: "Yo no me caí del cielo", Teatro Podestá 1987

    "Involución", Rowek

    Bloque 2

    Picando discos: "Ciudadano del mundo", Jeites

    "Tenue compañera", Antagonistas

    Esenciales: "Te hacen falta vitaminas", Soda Stereo

    "Algo quedó grabado", Los Sedantes

    Bloque 3

    Picando discos: "El naufragio del alma", Cabezones

    "Los impulsos", Ciudad de los Sauces

    El momento de Luis: "Tu vuelo al fin", Luis A.Spinetta

    Bloque 4

    Archivo: Fito con Gustavo y Charly

    Cierre: "Cuadro", Trílicos

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    Esenciales: “Mañana campestre”

    Los integrantes de Arco Iris vivían en comunidad, bajo normas naturistas. En el ‘72 editaron su tema más importante: "Mañana campestre".

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    Gran Buenos Aires, Ciudad Jardín, Lomas del Palomar, año 1970

    Gustavo Santaolalla rasga su guitarra buscando nuevas melodías mientras improvisa versos sueltos. Está en su casa de Ciudad Jardín, a menos de 20 km. de Capital Federal, rodeado de un paisaje bucólico. Campos con caballos, mucha vegetación, árboles, pajaritos, y el pavimento que se hace esperar por estos lares, le dan el marco para escribir una canción que será fundamental en su carrera y en la de su banda, Arco Iris.

    Es una mañana de sol y está sentado en el patio trasero de la casa. Primero juega con el riff del comienzo y de inmediato surge el primer verso: “Mañana campestre perfumada de azahar, un gorrión se escapa de tu voz…”. Ya presiente que tiene algo interesante. Siguen surgiendo los versos y cuando llega el remate del estribillo, ya la canción toma forma. Después entra a la casa y la termina. Nace uno de los himnos del rock argentino.

    Arco Iris es una banda de rock diferente. Tienen ideales de vida en comunidad, una guía espiritual y culto por la naturaleza. Gustavo recuerda: “Es una canción de ese momento, donde había en todos nosotros una búsqueda por reencontrarse con la naturaleza, de vivir de una forma más natural. Lo urbano representaba un poco la opresión y el mundo creado por el sistema establecido, en cambio la naturaleza era lo libre, lo que no había sido todavía contaminado.”

    Musicalmente, la banda es cuestionada por los rockeros tradicionales de la época. La fusión con el folclore los convierte poco menos que en parias al lado del sonido de Manal, Pappo o Pescado Rabioso. Sus discos y conciertos incluyen ritmos de zamba y chacarera. “Siempre me interesó buscar un sonido y una música que nos representara, que representara el lugar de donde yo venía y quién era yo” explica Santaolalla.

    Pasaron 45 años y la geografía de Ciudad Jardín dista mucho de aquel campo donde se inspiró Gustavo. El cemento ganó terreno y el verde va quedando cada vez más reducido. Los caballos brillan por su ausencia, sólo se ve alguno tirando del carro de algún cartonero o vendedor de trastos viejos. Una canción como “Mañana campestre” hoy nos remite a lugares más distantes, tal vez a pueblos del interior, sin embargo hace 45 años, muy cerca de la Capital se respiraban esos aires.

    La canción fue editada como disco simple en 1971 y fue un éxito de ventas que disparó la carrera de Arco Iris y dio un impulso al incipiente movimiento musical que luego completarían Sui Generis, Pedro y Pablo y otros músicos y bandas.

    Ficha técnica:

    Autor: Gustavo Santaolalla

    Intérprete: Arco Iris

    Formación: Gustavo Santaolalla (guitarra y voz), Ara Tokatlián (vientos), Guillermo Boradampé (bajo), Horacio Gianello (batería), Dana (guía espiritual)

    Álbum: Tiempo de resurrección (1972)

    Duración: 2 min. 50 seg.

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    Esenciales: “El revelde”

    Producido por Mollo, incluido en el disco del '98, compuesto por el Chizzo y toda una declaración de principios de La Renga: "El revelde".

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    Buenos Aires, Barrio de Mataderos, año 1998

    10 años pasaron desde que Chizzo terminó el servicio militar. ¿Esos meses en la colimba habrán empezado a gestar los primeros síntomas de “reveldía”? “Quizás este no era mi lugar” dice la canción que fue escrita pensando en poner en boca de los más chicos palabras que ni siquiera entienden muy bien.

    “El Revelde” se convirtió, no sólo en un himno para el público, sino en una declaración de principios de la banda. No es casual que se haya escrito después de la explosión Renga de 1997, con recitales multitudinarios, ventas récord del disco “Despedazado por mil partes” y el famoso contrato de un millón de dólares con una discográfica.

    Gustavo sintió la necesidad de contar que el éxito no los había cambiado, que seguían siendo “los mismos de siempre”, los que llevan “la contra como estandarte”. “Vivimos en una época muy conformista, donde cualquier tipo de rebeldía es tomada como una utopía”, declaraba el líder de la banda.

    La canción fue incluida en el quinto álbum, el de la famosa estrella blanca en la tapa, que en rigor no tiene nombre y por eso es conocido simplemente como “La Renga”. Fue producido por Ricardo Mollo, grabado en los estudios El Pie y alcanzó el disco de oro antes de salir a la venta.

    La V corta para enfatizar la rebeldía suena casi naif a esta altura, pero las imágenes cuasi marxistas del video oficial son más que elocuentes. La banda de Mataderos cree y sigue haciendo un culto de esa manera de vivir, “al costado del mundo”.

    Ficha técnica:

    Autor: Gustavo “Chizzo” Nápoli

    Intérprete: La Renga

    Álbum: La Renga (1998)

    Duración: 3 min. 24 seg.

    Fecha de edición: 21 de septiembre de 1998

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    Federalizate: Entre Ríos tiene Rock

    La tranquila provincia de Entre Ríos explota mucha furia y potencia en la escena rockera con una gran cantidad de bandas en desarrollo y otras más afianzadas con mayor material para mostrar en las redes. Aquí ocho bandas que merecen ser escuchadas y hacer llegar su sonido a todo el país.

    Foto: Mitómanos

    Valbé

    Folklore y rock conviven en este trío de Gualeguaychú, con más de una década de formación y que cuenta con tres discos editados: “Valbé” (2009), “7 paisajes” (2014) y “Terser” (2016).

    Equilátera

    Conjunto de rock, pop y mucho Groove y electrónica que invitan a moverse en las diez canciones que forman parte de “Kit”, su álbum debut.

    Barbacoa

    Cuarteto de rock and roll formado en 2001. Oriundos de Paraná, poseen un disco en su haber, “El mundo al precipicio” (2011), mientras preparan su demorado sucesor.

    12 Monos

    Con 16 años de formación, el conjunto recorre los caminos del reggae, el ska y el rock. Su último disco fue producido por Diego Blanco (Los Pericos) y tuvo las participaciones de Jorge Serrano (Los Auténticos Decadentes) y Manuel Moretti (Estelares).

    Mitómanos

    Sutileza funky, acoplada al pop y al rock, para este quinteto oriundo de Paraná.

    20 Vatios

    Rock Alternativo y pizcas de metal condimentan a este cuarteto paranaense que entre sus influencias aparecen nombres como Metallica, Papa Roach, Incubus, Korn y Carajo, entre otros.

    El Torque

    Power trío paranaense de rock con diez años de formación. Suman dos discos en vivo y otro de estudio de manera independiente; y siempre girando por todo Entre Ríos, Córdoba y Buenos Aires.

    Silencio No

    Banda de punk rock alternativo, formada en 2005 en Paraná, y que cuenta con un disco en su haber, “A nuestra tierra” de 2011, mientras producen su segundo material.

    Otras bandas recomendables de Entre Ríos: Los Licuados, Seta, Tempest, Astillas del Mismo Palo, Hueso, Irritantes, Cumulo, Mephistofeles, Máxima Tensión, Bajo Cero, Uglys.

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