Sergio Dawi:

Sergio Dawi: "Jaqueados me parece que es la síntesis de un estado generalizado que veo del mundo en este momento"

El tercer trabajo discográfico de Sergio Dawi, el ex saxofonista de Los Redondos, será presentado el 7, 8 y 9 de julio en el Konex mediante una propuesta de teatro a oscuras. En el Estudio Calipso del barrio de Almagro se materializaron los temas de...

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Gene Simmons visitará Argentina con su banda

Gene Simmons visitará Argentina con su banda

El bajista y líder de Kiss tocará en Capital Federal, el próximo 24 de octubre junto a la La Gene Simmons Band y las entradas se pueden adquirir a través de Ticketek. Las entradas para ver a Simmons en el Polideportivo porteño de Argentinos Juniors...

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Kimé presenta

Kimé presenta "Fluir" en The Roxy

Luego de tres años como banda, el grupo de los hermanos Cordeiro llega por primera vez al barrio porteño de Palermo para tocar las canciones de su disco debut y grabar un DVD en vivo."Fluir" corresponde al disco debut de Kimé, que fue grabado en los...

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Desmontaje: “No nos amarramos a un solo lugar”

Con bases en el rock de la vieja escuela fusionado con la modernidad y reivindicando la inocencia infantil, el trío rosarino Desmontaje lanzó su álbum debut “Por qué no?”.

“Este material es nuestra carta de presentación, algo que nos identificó en su momento, parte de nuestras raíces, influencias y conceptos que se arrastran desde la infancia, la adolescencia. Estamos orgullosos de tener ese disco”, señala Sebastián Patané (voz y guitarra).

En la cocina de este primer álbum lanzado en 2017, Desmontaje terminó de juntar dos EP grabados previamente. Con el arte de tapa (un Yo-Yo) buscaron reflejar ese estado de inocencia en la niñez en el que se rodea este material primerizo.

“El punto fuerte es la mezcla de estados y sentimientos –señala el frontman-. Podés encontrar distintos climas, desde la fuerza, lo sencillo, complicado, sensible y natural. Buscamos un equilibrio para no ser una banda de estilo marcado, nos gusta de todo y tratamos de plasmarlo. No nos amarramos a un solo lugar”.

¿Tiene un peso extra ser de una ciudad con tanta historia rockera y cultural?

Rosario dio muchas bandas y solistas, se dice siempre que en esta ciudad hay músicos buenísimos y es verdad. Pero también es verdad que en todo el país hay músicos increíbles. Creo que, más allá de donde uno venga, tiene que tener dedicación, amor y pasión por lo que hace. La responsabilidad de sonar bien, crear algo nuevo y que le llegue a la gente es independiente de dónde uno venga.

¿Cómo ven la movida y escena actual rosarina?

La movida en la ciudad es bastante, hay muchas bandas y recitales todos los fines de semana. Lo único malo es que no hay muchas opciones para elegir dónde tocar. Nosotros en Rosario estamos tocando poco, últimamente estamos yendo más a Buenos Aires, hemos ido a Entre Ríos y muchos lugares de Santa Fe. Lo difícil es mantener ese circuito de “tocadas” por todo el país.

Sacaron el álbum el año pasado, ¿están pensando en un segundo disco ya?

Actualmente grabamos en el estudio El Pie dos singles nuevos bajo la producción de Tweety González. Saldrán a la luz en los siguientes meses. El segundo disco se viene bastante para ese lado, pero con muchas variaciones. Va a ser más maduro en cuanto a sonido, letras y composición. El sonido fue buscado por Tweety en base a nuestras ideas. Lo colocó en un lugar mágico e impensado por nosotros. Pudo elevar y potenciar nuestras ideas, llevándolo a lo bailable, psicodélico y salvaje. Fue increíble trabajar con él. Esperamos poder grabar nuestro segundo disco con Tweety.

Desmontaje se presentará el sábado 16 de junio, a las 22, en Bar en Vivo. Niceto Vega 5702, CABA.

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Las Pelotas llegan a Obras

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Éste es el debut de Las Pelotas en Obras, en la presentación del disco "Máscaras de sal", el 4 de junio de 1994. Germán Daffunchio, Alejandro Sokol, Tomás Sussmann, Gabriela Martínez, Gustavo Jove y Gillespi, la formación de aquella noche, el primer show "grande" de la banda. Rescatamos “Escaleras”, “Corderos de la noche”, “Senderos” y el clásico de Sumo “No tan distintos / 1989″.


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New Model Army en Uniclub: con los ojos bien abiertos

La banda de post-punk inglesa tocó el jueves por primera vez en la Argentina, después de casi cuatro décadas. Por qué fue uno de los mejores shows en lo que va del año.

“¡Diez canciones más, diez canciones más!”, repiten decenas de personas en Uniclub. New Model Army ya tocó una quincena, pero parece que al público no le basta. Los miembros de la banda se ríen ante la insistencia, y cuando el cantante Justin Sullivan rasguea su guitarra accidentalmente, el tecladista Dean White agrega: “Esa fue una. ¡Sólo faltan nueve!”. Acto seguido, el baterista redobla su tambor. “Ahí ya tuvieron dos”, dice Sullivan, todavía en tono cómico.

Al ser la primera vez del grupo en la Argentina, se nota que los cinco buscan ganarse al público, pero sin conceder licencias. Las 150 personas que están abajo lo saben, y se entregan a la mirada penetrante de Sullivan, que abre los ojos como si fuera un poseso y estuviera observando fijamente a cada uno. Cuando su mirada se cruza con la de algún fan, es imposible que no se sienta piel de gallina: después de todo, este tipo con dientes de plata es el capitán de una leyenda del post punk y la new wave, de una de las bandas más prolíficas de Inglaterra (con más de una decena de discos de estudio, y contando...) y también es dueño de una labia tan tenaz como arácnida.

New Model Army tiene los toques góticos de la primera época de The Cult, la oscuridad de The Mission y la peligrosidad de Killing Joke, todo combinado en un cóctel con estilo propio. Eso se nota desde el comienzo del recital, que es más que climático, con el bajista Ceri Monger adueñándose de la percusión -con dos toms de piso y un redoblante- durante “Stormclouds”, algo que luego repetirá en temas como “Guessing” y “Born feral”.

Durante las primeras canciones y a un costado de la batería, el plomo del violero Marshall Gill no deja de quejarse del bajo volumen de los teclados en los monitores de los músicos. Con su linterna intenta avisarle al operador, quien recién se da cuenta después de varios minutos. Pero debajo del escenario, el sonido es claro y potente.

“No hablo español, los ingleses somos vagos. Pero finalmente vinimos, ¡después de 28… no, 38 años de carrera! Y vamos a volver en otros 38, si el mundo todavía existe”, dice antes de “Angry planet”, en el que analiza hordas zombies, sangre derramada y revoluciones que aún esperan.

Los momentos de mayor exaltación se dan al escuchar “51st state”, ese tema que se convirtió en himno de culto a la protesta y ante el que Sullivan dice que nos unamos y nos olvidemos de la vieja problemática por las Malvinas; en la siniestra “Wonderful way to go” y en “I love the world”, que cierra la primera parte del concierto.

Ahora sí llega el momento de los bises, en el que el público comienza a gritar “¡Diez canciones más!”. New Model Army toca dos: “Stupid questions” y “Get me out”, con lo que a las 150 personas les queda rogar: “¡Ocho temas más!”. Justin Sullivan, todavía con los ojos bien abiertos, se ríe y responde: “¡Será la próxima!”.

Al fin y al cabo los disfrutamos por más de una hora y media, y la energía que dejaron sobre el escenario los lleva a disputarse cómodamente el trono de “show internacional del año”. Esperemos que se generen su propio público argentino, y que no falten otros 38 años para que vuelvan a nuestro país. Después de todo, ¿quién sabe cómo puede estar el mundo entonces?

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Rock is here: Londres

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Una conversación con Marcelo Lamela, autor de “Rock is here”, un libro que reseña más de 150 lugares históricos para el rock en Londres: sitios característicos, estudios de grabación, locaciones donde se realizaron clásicas tapas de discos, entre otros.

Además, en la charla surgen otros temas, tan disímiles como la idiosincrasia de los ingleses, alguna banda indie actual de Gran Bretaña, Soda Stereo y la importancia de Buenos Aires en el rock en español.

El de Londres es el primero de una serie que planea Lamela, que continuará por Buenos Aires, Manchester, Liverpool, Nueva York y Los Angeles. Una colección impulsada sin ninguna duda por la pasión que Marcelo le pone al rock y, sobretodo, por preservar una parte de la historia.

Links de interés

  • Rock is here
  • Cabbage
  • Royal Blood

Música de cierre: “Celebration Of A Disease”, Cabbage

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Los Abuelos con Badía

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Los Abuelos de la Nada presentaron su disco "Himno de mi corazón" en el programa Badía & Compañía, en el invierno de 1984.

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Lautremont: “Improviso, luego existo”

El dúo cordobés Lautremont lanzó su sexto álbum, "A un millón de dólares de distancia", donde retornan a la oscuridad y rabia de sus inicios.

“Hay una intención más oscura, o en todo caso menos pop, que hace que se conecte con nuestro primer trabajo, pero a diferencia de aquel disco esta vez no usamos máquinas y tratamos que fuera lo más natural posible para poder transmitir lo que hacemos en vivo”, afirma Darío Bustos “Viejasound” (voz y guitarra).

Para esta sexta placa grabada en vivo y que tendrá su edición física dentro de unos meses editada por el sello Chancho Discos, Lautremont volvió a ser un dúo en la sala –Guillermo Camusso en batería completa la formación– y dejaron de lado las máquinas, las secuencias y todo soporte electrónico y se volcaron de lleno en concentrarse en tocar más los “instrumentos reales” y en conectar entre sí.

“Los temas se hicieron en una guitarra que tiene siete cuerdas y dos canales, lo cual permite hacer sonar los graves por uno y los agudos por otro, entonces se arma lo que yo llamo ‘bitarra': bajo y guitarra todo en uno –señala Viejasound–. Tuve que reaprender a tocar pero al mismo tiempo aparecían ideas. Así se fue gestando el disco en base a ejercicios de sincronización que luego se transformaban en canciones para después caer en manos de Guillermo y detonar rítmicamente”.

¿En qué sienten que han evolucionado en sonido y como músicos desde el primer disco hasta este reciente material?

Supongo que el hecho de ir aprendiendo a usar las herramientas digitales. Al mismo tiempo que sacábamos los discos nos fue dando más recursos u opciones, eso no significa que cada vez suene mejor, ya que no lo vemos como productores o ingenieros de sonido, sino como un pintor que quiere reventar el lienzo a pincelazos según lo que persiga en ese momento. Tenemos una mirada naif de ciertas cuestiones relacionadas con el sonido: con lo que tenemos, lo hacemos, y de la mejor manera posible. Como si estuviéramos en el mejor lugar del mundo y no nos faltara nada. Más que una evolución es una resistencia. Y como músicos no sé, cuando éramos jóvenes tocábamos mejor! (Risas).

Si bien son 8 temas intensos, el disco es corto en su duración total, ¿en vivo respetarán eso o se darán permiso para la improvisación?

Nuestra capacidad de atención no supera la media hora, somos acérrimos defensores de los discos cortos, entonces no podemos obligar a nadie a escuchar más tiempo del que nosotros podemos soportar. En cuanto al vivo, vamos a tocar casi todas las canciones siempre bien acompañadas de algún instrumental, algún tema nuevo o algún cover bizarro. Hacer el disco como en el disco no nos seduce demasiado. Nosotros también queremos divertirnos! Por lo tanto, improviso, luego existo.

¿Esa improvisación los lleva a estar pensando ya en nuevos temas?

Ya hay nuevo material y por supuesto va a ser un disco corto. Cómo será en cuanto al sonido y el concepto lo determinarán las canciones que formen parte, pero eso todavía está en el laboratorio. Nos encantaría sacar un disco cada seis meses, pero teniendo en cuenta que no hay un aparato a nuestra disposición para poder concretarlo, somos los que somos, entonces nos lleva un poco más de tiempo llevarlo a cabo. De todos modos se podría decir que estamos conformes con nuestros plazos hasta ahora; pero qué lindo sería hacer la gran King Gizzard.

Lautremont se presentará el viernes 8 de junio, a las 19.30, en el Teatro Monteviejo. Lavalle 3177, CABA.

Foto: Barba Bressano

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Charlie Benante, de Anthrax: “Tocar en vivo me resulta doloroso”

El baterista habla sobre la enfermedad que lo lleva a perderse decenas de shows. También analiza el nuevo DVD del grupo, “Kings among Scotland”, y adelanta la reedición de “State of euphoria”. Entrevista con Rock.com.ar.

“Por suerte Gene Simmons aprobó la portada de nuestro último disco en vivo -explica Charlie Benante del otro lado de la línea, en referencia al “tributo” que le rindieron a Kiss-. ‘Rock and Roll Over' es una de mis carátulas favoritas de la historia, y aún me emociona hoy. Así que quería homenajearlos. Me junté con Steve Thompson -que también trabajó con Iron Maiden, Motorhead y Slayer-, le expliqué la idea y le dije que quería que usara los mismos colores que en ‘For all kings' (2016)”.

Luego, llegó el momento de mostrarle el pastiche a Kiss. “Lo charlamos internamente y decidimos que Scott Ian se lo mandara a Gene”, agrega el baterista. La respuesta de Simmons los sorprendió: “Nos dijo que le encantaba, y que sentía que nosotros difundíamos a Kiss más que ellos mismos (se ríe). Eso me puso feliz, pero a la vez conocen nuestra historia y entienden que crecimos con su música, haciendo covers de ellos desde el principio. Saben que no estamos fingiendo”.

-¿Y qué hubieran hecho si él no aprobaba el diseño?

-(Piensa). Creo que lo habríamos usado igual, y luego le hubiéramos pedido disculpas (se ríe).

“Kings among Scotland” salió el 27 de abril de 2018 a través de Metal Blade y Megaforce. El DVD fue grabado el 15 de febrero de 2017, e incluye el concierto completo de Anthrax en el Barrowland Ballroom de Glasgow, Escocia. Además hay entrevistas, behind the scenes y grabaciones en hoteles y colectivos de gira. El film fue dirigido por Paul M. Green (Opeth y The Damned), y se usaron 17 cámaras, grúas y Go-Pros.

También está disponible una versión en doble CD -que se puede oír en plataformas como Spotify y Deezer-, con mezcla del productor Jay Ruston (Stone Sour, The Winery Dogs, Adrenaline Mob, Sons of Apollo y discos previos de Anthrax).

-¿Qué diferencias encontrás entre la grabación de éste DVD y la de “Chile on Hell” (2014)?

-Está bueno compararlos. Cada vez que tocábamos en Chile, terminaba el show y nos preguntábamos: “¿Por qué no dejamos un registro de esto?”. Así que dijimos: “la próxima, hagámoslo sin falta”. Queríamos captar la emoción y la pasión de los fans de allá, y tuvo un color especial. También estábamos muy nerviosos, porque nunca sabes qué puede pasar: cada vez que tocamos ahí, vimos comportamientos muy locos del público. La primera vez dijimos: “¿Deberíamos parar?”. Pero ahora se volvió parte del show, y es genial que haya quedado documentado. Y con respecto al nuevo, es especial porque Escocia fue uno de los primeros lugares en abrazar a Anthrax y en darle su lugar. Queríamos retribuirlos por eso, y mostrar la pasión que ellos también tienen por el metal, por la música y por nosotros.

-¿Cuáles fueron las “rarezas” que decís que vieron en Chile?

-El público estaba absolutamente loco, tanto que varias veces superó el volumen de la banda. Ese show -en el Teatro Caupolicán, en 2013- fue el tercero que Jon Donais dio con nosotros... así que él estaba nervioso, y nos lo contagió (risas). Pero está bueno sentir eso cuando estás por subir al escenario. No tiene mucho sentido estar relajado, a veces querés adrenalina.

-Volviendo a este último DVD, habían empezado la gira tocando “Among the living” (1987) en el orden original, pero en un momento te aburrió y lo cambiaron. ¿Qué pasó?

-Cuando nos metíamos en las canciones más “raras” del disco, veía que bajaba un poco la euforia del público. Así que me pregunté por qué lo estábamos haciendo así y siendo tan predecibles. De alguna forma quise sorprender a la gente, y que pensaran: “Ahora viene tal tema”... ¡y que no fuera así! Y se volvió mucho más interesante y copado. Nos costó un par de shows, pero creo que valió la pena y funcionó mucho mejor.

-¿En qué canciones bajaba el entusiasmo del público?

-La primera era ”Horror of it all”, que es bastante larga y habla sobre las pérdidas de tus seres queridos. Fue una de la que escribimos sobre Cliff Burton, y casi no la habíamos tocado en vivo. La otra fue “One world”, una de mis favoritas de “Among…”, pero que por alguna razón tampoco la hacíamos. Cuando empezamos a incluirlas las disfrutamos de nuevo, y nos dimos cuenta de que las extrañábamos. Y para las giras que se vienen, vamos a tratar de meter más canciones de “State of euphoria”.

STATE OF EUPHORIA, VERSIÓN 2.0

En 2018, uno de los discos más importantes de Anthrax cumple treinta años. Y aunque es un álbum muy querido por los fans, la banda siempre se mostró disconforme, porque sintió que se había grabado a las apuradas. “Estos meses pasé mucho tiempo escuchando el disco de nuevo, y empecé a apreciarlo por lo que fue en aquel momento -responde Charlie cuando es consultado al respecto-. Todavía sigo pensando que fue hecho muy rápido, pero ahora lo disfruto y ya no soy tan crítico, ¿sabés?”.

“State of euphoria”, que fue disco de oro y que contiene canciones como “Be and, end all” y el cover de “Antisocial”, va a recibir una reedición acorde a su importancia. “Ya está todo remasterizado, e incluiremos lados B, además de temas en vivo y demos. Lo interesante es que mostraremos la evolución de las canciones: cómo nacieron los riffs, luego pasaron por los ensayos, después fueron grabados como demos y finalmente llegaron al estudio”.

El remaster fue encarado por Paul Logus, que también trabajó en los últimos dos discos de estudio de Anthrax -”Worship music” (2011) y “For all kings”-. “Es uno de los mejores en lo suyo”, explica Benante. “A veces agarra algo que no suena tan bien y lo potencia al 100%”. Según el baterista, lo más probable es que la portada original de “State…” se mantenga intacta en la reedición.

En cuanto al lanzamiento, Charlie dice: “Está todo listo, sólo estamos esperando que Universal nos dé una fecha. Estuvimos esperando y esperando, ¡y ellos se estuvieron rascando el culo! Es bastante fastidioso. Ojalá que salga este año, porque sino se pierde el sentido del aniversario”.

-Al poco tiempo de “State…” compusieron “In my world”, un tema en el que se referían a sus momentos oscuros como banda. ¿Aquel período fue así?

-Fuimos muy afortunados con muchas cosas que pasaron, y muy desgraciados con otras. El tour de “State of euphoria” fue una etapa muy positiva, y estábamos contentos por lo que nos había sucedido con “Among the living” y “I'm the man” -se refiere al EP de 1987-. Pero hay un montón de historias oscuras dentro de los grupos. En la vida vas a experimentar días feos, porque eso es normal y somos humanos. Ahí nos sentíamos realmente en un estado de euforia, muy felices, porque años antes ni siquiera éramos una banda. Y ahí estábamos en 1988, tocando con nuestros grupos favoritos, como Iron Maiden y Motörhead. Parte de lo negativo era la gente que nos quería “bajar de un hondazo” por parecer tan felices, por usar aquellas bermudas o por poner fotos nuestras con skateboards… trataban de rebajarnos absurdamente. Esa fue una reflexión que hicimos al llegar “Persistence of time” (1990), y ahí sí estábamos encaminándonos hacia un sonido más oscuro.

-Llegados los 2000, John Bush y Joey Belladonna parecían entrar y salir de la banda. Hasta analizaste la posibilidad de que ambos grabaran en un disco doble. ¿Fue una posibilidad real?

-No me acuerdo de eso…

-Lo contaste en una entrevista de 2006 con la revista francesa “Heavy Music”.

-Recuerdo haber dicho de hacer una gira del estilo “once in a lifetime”, con cada uno cantando su mitad del concierto.

-¿Y por qué no sucedió?

-No creo que haya sido tan buena idea (se ríe).

CUANDO EL CUERPO HABLA...

Desde hace casi dos décadas, Charlie Benante sufre del “síndrome del túnel carpiano”, una dolencia que se caracteriza por un entumecimiento y hormigueo de la mano y el brazo. Aunque existen varios tratamientos para hacerle frente, la enfermedad se complica si sos uno de los bateristas más rápidos del thrash metal.

“Cuando tenés 22 años y das un show atrás del otro sin descanso, es lógico que en algún momento te llegue algo así. Y a mí me pasó -agrega Benante-. Mi situación actual es la misma que hace un tiempo: puedo tocar sólo dos o tres semanas, y luego necesito descansar las manos antes de volver. Un montón de colegas sufren lo mismo, y creo que es por el abuso que hicimos en vivo”.

-¿Cambiaste tu técnica después de sufrir algo semejante?

-Sí, lo hice: modifiqué la posición de la batería, la forma en la que me siento y en la que toco. Eso me ayudó un montón, de hecho.

-¿Cuál es el panorama para los próximos años? ¿Creés que vas a mejorarte?

-(Piensa). Supongo que voy a sufrir esto por el resto de mi carrera, y no quiero llegar hasta el punto de no poder tocar más nada, ¿sabés?

-Supongo que, dentro de lo malo, fue un “alivio” enterarte a tiempo y poder tomar precauciones...

-Oh, absolutamente. Creeme: lo peor es estar en el escenario y no sentir más la mano en la sexta o séptima canción, y que esté completamente dormida. Tocar en vivo me resulta doloroso. Y para poder seguir con el show llegué a meter mi mano en un balde con hielo entre los temas, e incluso me puse un montón de otras cosas en la mano para continuar. Hasta que llegó un momento en el que dije: “No puedo tocar más estando así”.

-Agarraste este problema hace unos cuantos años, ¿verdad?

-Sí, hace quince, pero me jodía sólo de a ratos. Me traté con acupuntura y un montón de cosas, pero todos sabíamos que eventualmente este día iba a llegar. Nunca quiero sentirme así de nuevo.

-El lado positivo es que pudiste ponerte a trabajar más en el costado operativo de Anthrax: desde laburar las portadas, hasta componer temas mientras el grupo está girando.

-Sí. Les pido perdón a algunos fanáticos que se decepcionan porque no estoy en todos los tours, pero prefiero estar ahí la próxima vez… (Piensa y se quiebra). No sé, es una cosa difícil. Es algo muy sensible para mí.

-Anthrax toca muchísimo. En lugar de contratar bateristas suplentes -como Jon Dette y Gene Hoglan-, ¿no pensaste en acortar los tours?

-Me encantaría que pudiéramos hacerlo, sería el balance perfecto. Es como el caso de Metallica, que tocan dos shows y dejan un espacio en el medio. Ellos pueden, nosotros no.

-¿Por qué?

-Porque tienen muchísimo más dinero que Anthrax (risas).

UN DISCO QUE PROMETE

Desde la llegada del guitarrista Jonathan Donais, un entusiasmo especial sobrevuela a la banda. Una prueba de eso es que el bajista Frank Bello comenzó a frecuentar “noches de jams” en pubs, en las que testea sus maquetas frente al público mucho antes de presentárselas a sus compañeros.

A Benante, en cambio, le gusta recibir el feedback a través de las redes sociales. Por eso, cada vez que tiene un buen riff -recordemos que también es guitarrista-, lo comparte en su cuenta de Instagram. “Definitivamente, esos pedacitos de temas van a estar en el próximo disco”, admite confiado.

-En los ‘80 componías pensando deliberadamente en las partes que serían para los pogos y las denominadas “war dances”. ¿Seguís haciéndolo a conciencia?

-Definitivamente. Escribo de esa forma al 100%, poniéndome del lado del público y pensando qué es lo que quieren sentir, ver... cosas como esas. Siempre creí que, para cualquier artista, es importante ponerse en la piel de la audiencia. Y disfruto del feedback de las redes. Escribo canciones todos los días, hasta puedo estar manejando y que una idea se me venga a la cabeza, así que la grabo en el teléfono. No quiero que una gran melodía se me termine olvidando. Jon es tan genial que tuvimos que alargar canciones de “For all kings”, porque lo que él estaba “expresando” necesitaba más tiempo y espacio.

-¿Qué temas se extendieron?

-Una parte del solo de “Evil twin”, y también “You gotta believe”. Sentimos que necesitábamos más lugar, así que dijimos: “Sí, adelante”. Cuando veo a Dave Matthews Band, que hacen un género totalmente distinto, disfruto que agarren los temas y les den su tiempo para que se desarrollen y fluyan. Una vez hablé con el baterista, Carter Beauford, y le pregunté cómo sabía cuánto tiempo darle al violinista, al saxofonista o al guitarrista. Me respondió: “Siempre lo tomamos así: si él tiene todo esto para ‘decir', dejamos que lo haga. Y cuando termina, nos damos cuenta”. Esa es una de las cosas más lindas de ser músico: el poder expresarte todo lo que quieras. Si tenés algo para contar… ¡entonces andá y hacelo!

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Deftones en el Luna Park: con lo justo

La banda de Chino Moreno volvió a Buenos Aires el viernes, para presentar “Gore” (2016)... del que no tocaron ni una canción. El concierto cumplió las expectativas, pero nunca llegó a deslumbrar. Fotos de Mica Villalobos.

Durante “My own summer”, el tercer tema de Deftones en el Luna Park, Chino Moreno se saca por primera vez los monitores in-ears para escuchar -y desafiar- al público argentino. Justo cuando recita repetidamente las palabras “Shove it”, parece decir “¡A ver, muéstrenme lo que tienen!”.

Más allá de la elección de la lista -que recorrió “Around the fur” (1997), “White pony” (2000) y “Diamond eyes” (2010), pero que también tiene temas de otros discos históricos-, hay algo que falla apenas la banda estadounidense sube al escenario: el sonido no es más que una bola de ruido, con los graves del bajista Sergio Vega saturando por doquier y reduciendo la potencia del guitarrista Stephen Carpenter.

Sumado a eso, cada vez que una pista de fondo interactúa con Chino Moreno, la grabación suena muchísimo más fuerte que la voz del vocalista. Ésa es una constante a lo largo del show, que además tiene otros puntos en contra. Por un lado, las pantallas apagadas -que se encienden en la gran mayoría de los espectáculos del Luna Park- no permiten que haya una conexión real entre las casi seis mil personas y el grupo, sobre todo con los que están más al fondo.

La segunda desventaja tiene que ver con que Deftones nunca fue demasiado comunicativo. Obviando a Chino Moreno -que se da el lujo de probar una Cerveza Patagonia y pronunciar “¡salud!” en español-, Carpenter casi no se mueve de su lugar salvo por los ventiladores que hacen volar su melena. El baterista Abe Cunningham se destaca por su destreza, pero está resignado a un humilde lugar en el costado derecho, y el tecladista Frank Delgado -que imprime texturas más que necesarias- aparece y desaparece según le toca. A favor de ellos, se debe mencionar que se trata del último paso de una gira sudamericana extenuante, que los llevó a recorrer varios países en pocos días.

Por todo esto, el show de Deftones no llega a explotar en ningún momento. Si a eso le sumamos que no hubo canciones de “Gore” (2016) -el disco que supuestamente venían a presentar-, más un set que apenas llegó a la hora y veinte, nos queda poco a lo que conectarnos.

Por suerte Deftones tiene canciones de sobra, y es sobre todo en la climática “Rosemary”, como también en “Rocket skates” y en “Minerva” en donde la banda sale del piloto automático. Una vez que se retiran del escenario, queda la sensación de que el show fue correcto y estuvo a la altura de las expectativas, pero que en pocos momentos las sobrepasó. Suficiente para darles otra chance en su próxima visita... y seguir escuchando sus discos mientras tanto.

Fotos de Mica Villalobos.

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Charly en Ferro ’91

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Charly García despidió el '91 con un concierto en el estadio de Ferro y varios invitados: los Kuryaki, Mercedes Sosa y Fito Páez.

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Homenajearán a Federico Moura en la tercera edición del Provincia Emergente

El festival contará con más de 400 artistas que participarán del 8 al 10 de junio en el evento. Habrá además un homenaje al fallecido cantante de Virus, en el Estadio Único de la Plata, con entrada libre y gratuita.


En diciembre de este 2018 se cumplirán 30 años del fallecimiento de Federico Moura y es por eso que el Festival Provincia Emergente lo recordará. El músico será doblemente homenajeado a través de una muestra y un recital que reunirá a integrantes de Virus con figuras de la música argentina actual: Lali Espósito, Chano, Soledad, Ángela Torres, Marcelo y Julio Moura, Miranda, David Lebón y Manuel Moretti.

También participarán Walas de Massacre, Leo García, Eruca Sativa, Louta, Guillermo Beresñak, Miss Bolivia y Pano de Joystick se unirán a una banda estable formada por Juanchi Baleirón, Javier Malosetti, Gabriel Pedernera (Eruca) Diego Blanco (Los Pericos) y Fernando Monteleone (Virus), en el gran cierre de la primera jornada.

El gobierno provincial de Buenos Aires repetirá por tercera vez al hilo este Festival Provincia Emergente, que se llevará a cabo en el estadio platense los días viernes 8, sábado 9 y domingo 10 de junio. Contará con varias disciplinas, entre ella música, muestras, stand up, longboard, parkour, diseño sustentable, arte callejero, el concurso Provincia Emergente, danza y realidad virtual.

Tres días albergarán 120 actividades, muchas de ellas permanentes, y espectáculos a cargo de más de 420 artistas en 20 disciplinas. La acción comenzará a las 14 y el ingreso es por las calles 25 y 528, de manera libre y gratuita.

Cruzando el Charco, La Teoría del Caos, Pommez Internacional, El Estrellero, Los Tabaleros, Lo' Pibitos y este año se suma como invitado internacional el dúo francés The Inspector Cluzo para participar de las jornadas. Además del homenaje a Moura, el sábado 9 se presentará El Bordo y el domingo 10 Chano.





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